Volver

Atelier de Discos #5: «Feldman, Ruzicka, Ferrari, Kalitzke: cuatro nombres grandes de la música presente»

25/04/2025

Quinta entrega del Atelier de Discos de Ismael G. Cabral este mes de abril con una serie de críticas sobre CDs de cuatro nombres imprescindibles de la música actual.

Realidad acústica

MORTON FELDMAN
Piano, Violin, Viola, Cello.
Niew Amsterdams Peil.
TRPTK


Son abundantes las reflexiones de Morton Feldman (1926-1987) que, de manera diáfana, explican mejor que nadie una obra como su Piano, Violín, Viola, Cello, su última composición, firmada en 1987. Acudiremos a algunos de estos: “Antes, mis piezas eran objetos; ahora, son como cosas en evolución (…) Me interesa mucho la realidad acústica. Para mí, no existe la realidad de la composición (…) Creo que las obras deben morir de muerte natural”. Aunque algo más breve que las piezas finales de su catálogo, Piano… se extiende durante unos 80 minutos en los que el compositor de Buffalo esculpe parsimoniosamente un paisaje por medio de la verticalidad de las notas, por medio también de unos compases que parecen inspirar y exhalar. En nuestro habitar como oyentes la obra experimentaremos momentos de calma y aceptación, otros de confusión ante lo que fuera una construcción que nos engaña deliberadamente; siempre en continuo cambio, de tal modo que cada vez que penetramos en este espacio la música se revela como algo nuevo; solo permanece una esencia, una levedad, como un vago recuerdo. Durante años una partitura extraña, un tanto extraviada cuando no directamente opacada por otras páginas más divulgadas de su legado, a últimas y cuando todo el catálogo de Morton Feldman ha sido concienzudamente grabado las formaciones especializadas han vuelto su mirada hacia este capítulo final. Se poseen entonces múltiples referencias en la fonografía. El muy luminoso registro comandado, desde el piano, por Aleck Karis (Bridge), la versión más áspera del Ives Ensemble (Hat Art), la lectura concentrada y un punto acelerada del Quartetto Klimt (Stradivarius), la extrema parquedad expresiva de los músicos de la esfera de Apartment House (another timbre) y la pulcritud de Aki Takahashi y el conjunto que estrenó la obra en el registro de aquella jornada en Middelburg (Países Bajos) en el sello BV Haast. Dado el interés creciente por el legado de Feldman la pertinencia de una nueva versión se argumenta por sí sola; más aun cuando los músicos del Nieuw Amsterdams Peli (Emma Breedveld, violín; Heleen Hulst, viola; Mick Stirling, violonchelo; Gerard Bouwhuis, piano) han querido ofrecer no solo un acercamiento que difiere de muchas de las constantes expresivas hasta ahora apuntadas por anteriores grupos; también en tanto que el sello Trptk presenta el disco en formato híbrido estéreo y multicanal ambos con archivo .wav de alta calidad. Si algo han buscado deliberadamente estos intérpretes es el hacer valer como Feldman trunca la comprensión del tiempo. La ejecución es de una concentración que traspasa nuestra capacidad atencional sencillamente porque jamás abandona el mismo tono vacilante que remacha la intemporalidad, también una sensación de monotonía que, paradójicamente, atrapa aún más. Es entonces esta una grabación que, sin intentar complejizar aún más la propuesta, tampoco opta precisamente por la vía más expedita. Los motivos melódicos, rítmicos y armónicos serpentean sin que nadie levante la voz, sin ningún apresuramiento. La lógica de esta música es inapelable; Feldman no baja la guardia en ni un solo compás, como tampoco lo hacen los solistas de la formación. Hay contrastes tímbricos que nos llegan amortiguados, ciertas curvas melódicas que se dan, pero lo hacen de manera enjuta, sin desplegarse, sin atisbo de apertura. La versión es marcadamente severa y parsimoniosa, también su color tímbrico es más apagado que otras obras (por ejemplo, Crippled Symmetry, para flauta baja, percusión y piano, que conquista las cinco horas); puede no ser este el mejor punto de partida para una primera excursión al Universo Feldman pero, desde el prisma de la legión de convencidos, es este un álbum a retener y recomendar como una de las primeras opciones para incursionar en los últimos pensamientos sonoros del autor de Palais de Mari.





 

Vuelta de tuerca

JOHANNES KALITZKE / LUC FERRARI
Zeitkapsel. Histoire du Plaisir et de la Désolation.
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Johannes Kalitzke, director.
BR Musica Viva


La serie de conciertos que programa la emisora bávara BR, Música Viva, constituye uno de los ciclos más longevos de cuantos conviven en Centroeuropa dedicados a la música contemporánea; también es, cada año, foco de atracción por sus importantes propuestas de programa, la mayoría trufados con estrenos. El 10 de noviembre de 2023 el director y compositor Johannes Kalitzke (1959) se presentaba, en su doble faceta, en la Herkulessal de la Residencia de Munich con un concierto que, felizmente, ha quedado encapsulado en un registro de la serie de discos que documenta mucho de lo que allí acaece cada temporada. Kalitzke entonces presentaba Zeitkapsel (2022-23), una vuelta de tuerca al tan abordado por compositores de todos los tiempos tema de la danza de la muerte. Con la participación del técnico de sonido Sebastian Schottke, quien mueve los hilos de una electrónica zumbante y espacializada, la Orquesta Sinfónica de la BR urde una obra de gran vistosidad orquestal; un andamiaje de cierta desnudez -la música de Kalitzke tiende a rehusar el abigarramiento- pero de flujo continuo; también de un virtuosismo instrumental perceptible en la sola escucha. ¿Se comprende con la audición que su autor sea también, y con la misma dedicación, director? Sí, si se tiene en cuenta que esta Zeitkapsel es una partitura de firme estructura, muy bien escrita y en la que todo lo anotado nos llega por medio de texturas diáfanas, por más que el trazo del compositor alemán sea zigzagueante, como si contemplásemos una sucesión rápida y temblorosa de fotogramas. Viene la alusión a lo visual por cuanto que la obra, por medio de esa danza de los muertos apelada, recorre músicas de vivos y de difuntos, acumula signos instrumentales de distintas épocas; como si fuera tejiendo una red en la que quedar atrapados. Hay incrustaciones llamativas, como la de la primera grabación acústica de la historia, Au Claire de la lune, de 1860, una serie de ondas sonoras fijadas en papel encerado; también hay fragmentos de audio irreconocibles, transformaciones casi imperceptibles de música renacentista en el eco de un muecín. Su autor habla de vórtice; hay sí, mucho de remolino en este festín de la distorsión que, lejos de suponer ninguna dificultad en la escucha, se sigue con disfrute por la audacia de una escritura que se remanga en lo pirotécnico sin que ello reste poso duradero en la memoria. Se piensa en la música orquestal de compositores como Wolfgang Mitterer y Bernhard Lang. En aquel concierto se recuperaba una partitura ciertamente extraña, Histoire du plaiser et de la désolation (1979-81), para orquesta, de Luc Ferrari (1929-2005), músico francés bajo la estela de John Cage que desarrolló un catálogo notabilísimo y de enorme personalidad en el ámbito de la música concreta y electrónica, siendo Hétérozygote, para cinta magnética, una de sus obras más difundidas. De la pieza que nos ocupa se poseía una grabación previa -hoy considerablemente descartada por mor de esta actual- debida a la Orquesta Nacional de Francia con Michael Luig. Kalitzke se acerca a la obra (extensa en duración, casi 40’) desde algo que parecía imposible en el momento de su estreno. Más allá de la imagen de compositor de vanguardia de Ferrari, las notas por él escritas en la partitura de esta Histoire… avanzan una posmodernidad quizás entonces ni siquiera atisbada. Dividida en tres movimientos, es esta una obra hedonista en el gusto del autor por explorar la sonoridad de la orquesta; un panorama sinfónico de la lujuria y de la tristeza, del placer y de la desolación que Ferrari transita como si se tratara de un compositor romántico que tiene a su servicio el gran aparato orquestal. Tiene bastante que ver con el espectralismo (desde el comienzo así parece enunciarse) pero van a pasar muchas cosas posteriormente; con una serie de motivos breves en su último movimiento (Ronde de la Désolation) que anticipan a un Philip Glass. Puede no ser -decididamente, no es- una composición que destile lo mejor de cuanto Ferrari nos legó, pero retrata perfectamente a un creador que hizo del binomio arte / vida su razón de ser. Kalitzke y la Orquesta de la BR sirven ambas composiciones con una capacidad total, tanto en la articulación de dos músicas tan diversas como en la asunción plena de sus respectivos lenguajes, que una formación bien entrenada en la música de nuestro tiempo hace suya con naturalidad.
 

Depart

PETER RUZICKA
Orchestral Works. Vol. 5.
NDR Elbphilharmonie Orchester. SWR Symphonieorchester. Carolin Widmann, violin…
NEOS


“Départ Paul” anotó el escritor Poeta Celan en su cuaderno antes de suicidarse arrojándose al Sena. 50 años después de aquel suceso Peter Ruzicka (1948) escribió en su memoria la fúnebre Depart, concierto para viola y orquesta que inaugura este quinto volumen en la edición que al compositor alemán viene dedicando el sello NEOS. Nils Mönkemeyer y la NDR Elbphilharmonie Orchester, dirigida por Matthias Pintscher, se encargan de esta obra de claros contornos dramáticos y también de una cierta furia; la partitura se escribió durante la pandemia. Por la temática y por el contexto es una pieza inusitadamente oscura para la habitual gramática del compositor, se diría que incluso triste, la viola interviene en múltiples solos de forma mortecina hasta una cadencia llena de rabia que se apaga progresivamente. Dedicada a Wolfgang Rihm, Ruzicka, cercano en amistad y en lenguaje, somete el material que expone la viola a múltiples transformaciones y trabaja con especial dedicación la cuerda grave; toda la obra parte de un unísono de esta. Continúa la música sumida en la penumbra en Eingedunkelt para violín, coro y orquesta (2022). Carolin Widmann, como solista, ejerce de voz humana en medio de un conjunto coral (SWR Vokalensemble) que canta desde posiciones insertas entre los profesores de la SWR Symphonieorchester dirigida por Bas Wiegers. Estrenada en el Donaueschinger Musiktage, la pieza, ya desde su orgánico, adelanta una mayor vocación de Ruzicka de jugar con las formas y las posibilidades sonoras. Es una obra que evoluciona por distintos espacios siempre desde una agria introspección y un dramatismo inconcreto, el coro (que solo canta un texto de manera tradicional, nuevamente Paul Celan) amplía el espectro sonoro de la orquesta que pese a pasajes hercúleos no amilana al violín de Widmann que sigue y sigue como transida, ajena al fragor de lo que sucede junto a ella. Aulodie, música para oboe y orquesta, del año 2011, remite nominalmente a la Grande Aulodia y la Aulodia per Lothar, ambas de Bruno Maderna. Dice Ruzicka que el aulós era un antiguo instrumento griego que sonaba en ocasiones especiales: para anunciar un cortejo fúnebre, en nupcias y en danzas de armas, etc. Aquí el oboe de Albrecht Mayer también enuncia siete situaciones de afectos diferentes que generan un estado de ánimo diferente en la orquesta (Schlewig-Holstein Festival Orchestra). Esta siempre remite al material expuesto previamente; lo que lleva a la pieza pronto a un estado de previsibilidad y encorsetamiento. También en el ámbito de la corrección se mueve Still (2017), memorial para trombón y orquesta de cámara (Kris Garfit, trombón, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Massimiliano Matesic). El peso de la música recae en el instrumento de metal que muestra el material de manera tranquila y constante. La cuerda y los vientos le acompañarán con figuraciones rápidas y con el tradicional apesadumbramiento tan característico del autor.

 

 

Volver