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Atelier de Discos #6: «La tensión de Demoč, el músculo de Lara y la exploración en la percusión actual »

28/05/2025

Sexta entrega del Atelier de Discos de Ismael G. Cabral este mes de abril con una serie de críticas sobre CDs de cuatro nombres imprescindibles de la música actual.

Otro timbre

ADRIÁN DEMOČ
Zamat.
Apartment House.
another timbre



Muchos de los compositores que graba Simon Reynell en su sello another timbre, fundado en 2007, disfrutan del sonido de los instrumentos, paladean el espacio acústico y la especificidad de cada timbre; es música que no se pretende regresiva pero a la que no le importa enarbolar una más que evidente tendencia al goce auditivo. Podría ser el caso de algunas obras del compositor eslovaco, residente en España, Adrián Demoč (1985). Hemos dicho bien, de algunas. Músico apreciado en esta revista, antes del lanzamiento que ocupa estas líneas puede leerse, en este enlace, una entrevista con él publicada en 2020, entre algunas otras reseñas también rastreables en el archivo. Zamat es, por ahora su última compilación. Son tres piezas recientes, de 2023 y 2024, que abundan en sutiles cambios dentro de una estética inamovible, en la que Feldman y el nuevo reduccionismo pre y post wandelweiser ha operado un efecto fenomenal. La obra más sobresaliente de esta colección es Gebrechlichkeit, un cuarteto de cuerdas que, en realidad, puede tomar otras formas instrumentales, por eso no aparece nominado como tal. Su título, escogido por la musicalidad del término alemán (que se puede traducir como fragilidad o debilidad) ya anticipa el clima de la música que expondrán, con su habitual estilo astringente, los músicos de Apartment House; vibrato imperceptible, parquedad expresiva monacal. Sin embargo, Demoč, pervierte la expectativa. Desde el inicio instala sí, una atmósfera plácida pero enrarecida, no hay una sensación de amenaza inminente pero la obra posee una sustancia tan austera que pareciera estar a punto de fracturarse. Esa fragilidad a la que se alude, en efecto, se acaba por resquebrajar. Lo hace repentinamente, cerca del final hay un sonido fuerte (“fuerte, pero no expresivo”, dice el autor), una forma de liberar la tensión. “Me llevó semanas permitir que se mantuviera allí”, explica al respecto. Es una anomalía, un brote de ira en medio de un mar en calma con cielo gris. Ese acceso de violencia condiciona sucesivas escuchas, se sabe que está ahí y que su efecto vuela por los aires cualquier deseo de sumirnos en la calma con esta música. Más breve, Zamat (Terciopelo) es también más predecible, no por ello menos perfecta en su esmerado estudio del color (clarinete, clarinete bajo, viola y violonchelo); las elecciones nunca son azarosas en su catálogo. Demoč apela como signo distintivo de la composición al suave retardo entre los intérpretes “creado mediante una técnica que John Cage llamó ‘unísono coreano’ en la que los ataques y tempos de los instrumentos son cercanos, pero no están perfectamente sincronizados”. Sin embargo, Zamat sí es una pieza que exuda un habilidoso hedonismo, un indisimulado gusto por la asociación tímbrica que ha creado entre las cuatro voces implicadas. Para dos clarinetes, viola y violonchelo …o protón jasu… calca casi la misma instrumentación que la obra antes referida pero en ella vuelve a darse pistas de esa voz exploratoria del autor; toda la música es tocada en agudos, toda durante sus 31 minutos. Su título cita un verso del poeta eslovaco Rudolf Jurolek: “A veces nos perdemos el paraíso solo por un destello de realidad, por un protón de luz que nos falta”. Ese deseo irresuelto de llegar a algún lugar es trasladado a la poética de una composición en la que la monodia es expuesta por la cuerda mientras que los vientos fuerzan duplicidades y sombras. Regresa entonces una insólita incomodidad que nos lleva a subrayar un aparente viraje del compositor a terrenos más exploratorios; algo que, a la luz de sus primeras piezas, no creíamos posible.


 

...para cuerdas

FELIPE LARA
Chamber Works for Strings.
Mivos Quartet. JACK Quartet. Parker Quartet. Duo Diorama. Joshua Rubin. Modney. Hannah Levinson. Experimentalstudio des SWR Freiburg.
KAIROS



Con solo unos meses de margen saludamos en el sello Kairos el segundo monográfico dedicado al compositor Felipe Lara (1979), dedicado ahora a su música de cámara para cuerdas. Del anterior álbum, titulado Portals, permanece en estas obras un común interés por trabar estructuras polifónicas densas y dilatadas (el cuarteto Sonare se extiende por casi 40 minutos), sin embargo el estructuralismo académico de algunas de sus piezas para ensemble no encuentran un correlato claro en estas páginas nervudas, algunas de enorme concentración, y donde lo textural y lo emocional hallan un acomodo anteriormente no atisbado. Corde Vocale (2005) es buen ejemplo de ello; Lara no entiende precisamente la formación de cuarteto como una conversación educada y elevada; hay aquí una fuerza motriz que lleva los instrumentos a un controlado paroxismo donde el sonido es deformado y violentado con urgencia. En apenas ocho minutos el compositor brasileño-estadounidense opera sobre el material con técnicas expuestas con premura (pizzicatos en cascada, ataques en col legno) en medio de un caudal altamente energético y en donde la hilazón no se pierde; un compositor habilidoso en su escritura para cuarteto como Wolfgang Rihm podría pensarse, por su lacerante expresionismo, como influencia de esta música intensa. Interpretada ejemplarmente por el Mivos Quartet, es el JACK el conjunto que interviene sobre una de las obras más notables del ciclo, Tran(slate), del año 2008, que se ofrece en dos versiones, con y sin añadido de la electrónica. Aunque participa de las constantes estéticas del anterior, es esta una partitura más serena; no tan afirmativa; con silencios contundentes y glissandos expresivos. Lara, férreamente modernista, nunca pierde de vista la direccionalidad de su discurso. Su música no simplemente es y está; no quiere ser habitada ni expuesta como un muro de sonido (en la idea de un trasvase al sonido de la pintura de Sean Scully), toma de la mano y guía a un lugar. En ese sentido, y aunque su lenguaje no se desenvuelva así, es una propuesta clásica y sobre la que se hace recaer con honradez el peso de la tradición. Ocurre de ese modo en la extensa Sonare de 2021, a cargo del Parker Quartet, donde la forma sonata nidifica como esqueleto sobre el que el músico esculpe una floración tímbrica más marmórea; también más abstracta. La propia laxitud de la temporalidad lleva a un flujo que se reitera y se repregunta, el material se presenta desde ángulos diversos, con un tono dubitativo y fuertemente escolástico. Se piensa entonces en dos antecedentes conectados, los cuartetos de Arnold Schoenberg y los de Elliott Carter; este Sonare, de Felipe Lara, podría oírse en el espíritu de los ilustres referentes convocados. Como a cámara lenta discurren los primeros compases del quinteto con viola Archi Elastici (2014); Lara estira los hilos mediante crescendos enfáticos, armonías que se desfiguran, unísonos dramáticos y, en general, con ese tono muscular que tanto caracteriza a su quehacer. En ninguna de las obras citadas hay ruptura y, en ese sentir, pueden oírse en cualquier orden como si se tratara de una sola gran partitura. Prisma (2006), para violín y piano; y Postcard (2008), para violín y clarinete; sí que comparten un deseo conversatorio; se trata de ver cómo se conjuntan y como resuenan un instrumento con el otro (no sobre el otro).





 

Poética escrutadora

JOSÉ LUIS TORÁ
Per derrota I altura.
Synergein Project.
KRB

José Luis Torá (1966) ha recibido lecciones de autores como Helmut Lachenmann y Brian Ferneyhough, sin embargo, en su proceder, tantas veces parece encontrarse más cerca de la poética escrutadora del objeto sonoro de un Pierluigi Billone. Ocurre así en las obras compiladas en este monográfico, Per derrota i altura, que interpreta el conjunto Synergein Project, con quienes ha establecido una satisfactoria colaboración. El ensemble de percusión valenciano, que lidera Sisco Aparici, tiene entre sus fortalezas más distintivas el saber escoger muy bien el repertorio que defienden y hacerlo además, desde la asunción de la defensa de unos lenguajes determinados, puede que hasta muy circunscritos, lo que les permite profundizar en ciertas gramáticas y adquirir un rango de especialización muy elevado (retomando a Billone, su obra Tre Alberi, fue ofrecida como estreno absoluto hace algún tiempo por Synergein). La primera pieza de Torá que oímos aquí es lingua discordante. A likeness (2020) en la que habilidosamente pervierte el predecible acomodo sónico que pueden ofrecer tres grandes cuencos de cuarzo -habituales en las prácticas de pseudoterapias new age- preparados con triángulos para adulterar los tonos que estos emiten. Torá es un autor radical en varios sentidos; desde luego por el empleo de un idioma desnudo, comúnmente agrio, también por el relajamiento de las tensiones, no en un sentido de confortabilidad, si no por su deshilachamiento; de los cuencos parece surgir un coro lejano, incluso fragmentos de electrónica irreal. Entre 2016 y 2017 escribió saw digression hobbling driftwood (positione di voce) para dos sierras amplificadas (!). La sorpresa inicial se agranda ante la manera en la que el material es abordado; no incurre Torá en ninguna tentación noise, antes al contrario, ambos instrumentos invaden el espacio se diría que incluso con sutileza, explorando espejismos acústicos y diálogos improbables. Indagar en materiales idénticos es otra constante expresada en a motion (tus ojos en mí) not a touch (y no yo) de 2022-23, para tres vibráfonos intervenidos con imanes para alterar sus armónicos. No hay rudeza alguna en esta partitura cuyas polifonías copan el espacio y perviven por largo tiempo.





 

Metáforas líquidas

ABANDONAR LA LLENGUA PRÒPIA
Obras de Hèctor Parra, Voro García, José Luis Torá, Enrique Sanz-Burguete, Sergio Luque y Alberto Posadas.
Sisco Aparici, percusión.
KRB



Sisco Aparici, a solas, se reúne con seis compositores en el álbum Abandonar la llengua pròpia. En Mineral Life, Hèctor Parra urde una rítmica ligada a lo tribal en una página que, en sus poco más de diez minutos, traza una evolución compleja de apreciable organicidad, si bien su lugar en el recuerdo auditivo no se augura longevo. También de flujo variado, ajena al estatismo, Metáforas líquidas, de Voro García, resulta más suculenta en lo textural al verse Aparici llevado a generar, a partir del timbal, una plétora de técnicas extendidas bien argamasadas desde el punto de vista musical. Algo más convencional, Tiempo de Nō, de Enrique Sanz Burguete, para caja y electrónica evoca Oriente en lo estructural y en lo sonoro; con una intencionalidad paisajística evidente e incluso una voz programática habitualmente desusada en la música de creación actual. Retoma a solas el percusionista a José Luis Torá con la pieza declarar la corteça de la letra (wie Scherben [...] eines Gefäßes, de 2013 para un cuenco de cuerzo relleno de agua en el que flotan una calabaza africana y otros objetos percusivos. Mediante la manipulación anotada y el empleo de micrófono, en un proceder similar a tantos trabajos de sound art del fundamental Slavek Kwi, Torá impone un tono moroso de fricciones y sonidos acuosos ejemplarmente recogidos en la grabación. El fortísimo armazón teórico que forma el sustrato de Dreaming about Tinguely’s Mechanical Sculptures, de Sergio Luque, nada obsta la audición de esta pieza para objetos metálicos accionados mediante procesos algorítmicos que remite a Xenakis desde la aceptación de un lenguaje propio en el que conviven alusiones ancestrales e insertos idiomáticos característicamente centroeuropeos. Encargo de Sisco Aparici, Hylé, de Alberto Posadas, es la obra más extensa del disco. El compositor se sirve de una marimba preparada atacada con baquetas de distintas calidades. Partitura más severa y académica que algunas de las anteriores; importan aquí aspectos como las densidades, la velocidad y la saturación en pasajes no exentos de virtuosismo canónico.
 

 

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