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«Aimard & Cía; trascender lo puramente sonoro» Ismael G. Cabral

05/11/2025

El Liceo de Cámara XXI del CNDM vivió una de esas veladas memorables en las que el virtuosismo se funde con la profundidad. Isabelle Faust, Jean-Guihen Queyras, Jörg Widmann y Pierre-Laurent Aimard ofrecieron en el Auditorio de Música de Madrid un recorrido tan exigente como luminoso por las músicas de Berg, Ravel, Carter y Messiaen. Cuatro compositores y cuatro lenguajes en diálogo que, bajo la maestría de estos intérpretes, se convirtieron en una experiencia de escucha intensa, rigurosa y trascendente.

Madrid. 30-10-2025. Auditorio Nacional de Música de Madrid. Liceo de Cámara XXI. CNDM. Isabelle Faust (violín), Jean-Guihen Queyras (violonchelo), Jörg Widmann (clarinete), Pierre-Laurent Aimard (piano). Obras de Berg, Ravel, Carter y Messiaen.



Las Cuatro piezas para clarinete y piano op. 5 de Alban Berg es una de esas obras que pueden pasar desapercibidas con facilidad. Ya por su brevedad, ya por su carácter de ejercicio (soberbio, pero ejercicio) de aplicación del lenguaje atonal sugerido por su profesor, Arnold Schoenberg, es una partitura que, con cierta destreza, puede exponerse y olvidarse tan pronto como van sucediéndose sus notas. No ocurrió así, y esto ya dio la medida de lo que iba a ser el concierto, en la interpretación que ofrecieron Pierre-Laurent Aimard y Jörg Widmann en el ciclo Liceo de Cámara XXI que programa en Madrid el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Cada uno de sus episodios tuvo su por qué; se puede hablar de la expansividad que ambos solistas le dieron a cada una de las cuatro piezas. Pero esto puede llevar a pensar en una ejecución más bien expresionista, taimada en el potencial de esta música hosca y severa. Al contrario, fue sí, una lectura en el que uno y otro músico indujeron al oyente al gozoso gusto por la disonancia y por el dramatismo con el que esta, tan a menudo, es expuesta. Si Berg da la mano en esta partitura a fugaces células, silencios repentinos y dinámicas extremadas, Aimard y Widmann se abismaron a todo ello con delectación.

Algo así vinieron a hacer más tarde con Epigramas, de Elliot Carter, obra de 2012 para violín, violonchelo y piano que cerró el catálogo del compositor norteamericano. En esta colección de aforismos de indisimulada raíz weberniana se sumó la violinista Isabelle Faust y el violonchelista Jean-Guihen Queyras. De nuevo, como referíamos en la aportación de Berg, no es esta una pieza fácil de exponer. Por su laconismo y por la incisividad de algunos movimientos que son solo una rabiosa exposición atonal sus ejecutantes deben creer a pies juntillas en los pentagramas que tienen ante ellos. Carter asume el carácter de obra de síntesis (de divertimento incluso, aunque su poética se preste poco a este término) y escruta texturas que constituyen, en ocasiones, el por qué de un único epigrama y, en otros momentos, se va a otro lugar buscando una liviandad quebradiza. Hubo, sobre todo, en Aimard, una aproximación casi violenta sobre algunas notas, redondeando la resonancia con el pedal y, en todo caso, una interacción plena entre los tres solistas.
Si contextualizamos la pertinencia en este programa de la Sonata para violín y violonchelo de Ravel veremos que en el Lent late el corazón de esta música pimpante y rítmica que Faust y Queyras abordaron con gusto y, se diría, que con espartana sencillez, sin adornos, siguiendo la radical linealidad impuesta por el compositor. “La música está despojada hasta los huesos (…) Se renuncia al encanto armónico, y hay un creciente retorno del énfasis en la melodía”, dijo. Esto es así durante toda la pieza, pero, decíamos, resulta algo menos evidente en el movimiento lento, una rara letanía cuyo contrapunto se va complejizando y donde, lo expresado, ya no se aprecia tan claramente. Uno y otro intérprete mostraron una conjunción natural y desmenuzaron hasta el menor intersticio de esta creación un punto furiosa y geométrica que estuvo ahí, tal vez, para aligerar algo de la densidad de un programa gigante como este.

El Cuarteto para el fin del tiempo de Messiaen es una música ya clásica a la que se puede llegar desde variados presupuestos estéticos y que, a menudo, se da como una obra entendida, asimilada. Esto es así también, y no sé en qué medida, por la propia historia de la circunstancia de su composición y estreno (en la II Guerra Mundial, durante la estancia como prisionero del compositor en el campo alemán de Görlitz) pero hay en el Cuarteto algunas piezas que tienen un cariz radicalmente modernista, si no experimental. Quedó demostrado así durante la sección final, Louange à l’immortalité de Jésus, donde Aimard impuso un ritmo repetitivo desde el piano, una escueta figuración, un vaivén oscilante pero que dirige la emoción hacia algo superior. Sobre esto, Faust tañó una cantinela delicada extinguida con una delicadeza solo al alcance de los muy grandes y postergada por un largo silencio, muy largo, compartido por todo el público que llenó la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Hemos contado el final pero antes hubo muchas cosas. Especialmente llamativa fue la interpretación que hizo Widmann del solo para clarinete Abîme des oiseaux. El alemán fue escrupuloso con el sentido de la pieza pero, a nivel interpretativo, sorprendió la sencillez y concentración con la que la expuso; generó líneas muy largas con la respiración y se mostró concentrado, sin ninguna tentación virtuosa. Cada uno de los músicos y, todos ellos como conjunto en esta ocasión, dieron a entender que el Cuarteto de Messiaen no es tanto un gran mural como una colección de grabados únicos (con espacio inclusive para la robustez, para lo atlético, Danse de la fureur, pour les sept trompettes); por eso cada uno debe tener su aproximación, estudiada y sin una necesaria sensación de engarce. Fue, desde cualquier punto de vista, una experiencia que trascendió lo puramente auditivo.

Las fotos son de Rafa Martín cortesía del CNDM 

 

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