Entrevistas

Ricardo Llorca | Entrevista con Ricardo Llorca


25/04/2019

Profesor de la prestigiosa The Juilliard School desde hace 30 años, este verano estará impartiendo el Seminario de Composición en el Curso Internacional de Música de Benidorm del 1 al 5 de julio del 2019. Hemos hablado con él y esto es lo que nos ha contado:




1. Ruth Prieto: Un año más estará usted impartiendo el seminario de composición en el Curso Internacional de Música de Benidorm que esta temporada cumple su XXXI edición y que en esta ocasión se celebrará del 1 al 5 de julio del 2019. ¿Qué nos puede comentar de esta iniciativa en la que usted es ya todo un veterano?
 
Ricardo Llorca: Efectivamente desde el día 1 hasta el 5 de julio del 2019 celebraremos la XXXI edición del "Curso Internacional de Música de Benidorm" y es mi tercer año como profesor en este curso. Contaremos con cuatro especialidades instrumentales que serán impartidas por Michal Dmochowski, Ángel Sanzo, Adan Delgado y Jean Denis Michat y yo me encargaré de los cursos de composición. Estos cursos son una iniciativa de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Benidorm apoyados por el Instituto Valenciano de la Música y el Conservatorio Profesional de Música “José Pérez Barceló”. Los estudiantes tendrán la oportunidad de recibir clases de composición, a la vez que podrán asistir a los conciertos que durante toda la semana celebraremos en el Ayuntamiento de Benidorm. Estos seminarios están dirigidos a todo tipo de estudiantes de composición y sugerimos que todos los alumnos nos envíen junto con su matrícula, antes del inicio de las clases, alguna obra suya compuesta para uno o para varios de los instrumentos cuya enseñanza se va a impartir de forma paralela en los cursos.

El objetivo es introducir a los alumnos en las últimas tendencias compositivas y conseguir que conozcan la música que están escribiendo las últimas generaciones de compositores, sobre todo en los Estados Unidos, que es el campo que conozco bien. Durante las clases teóricas se analizarán obras de compositores contemporáneos, con especial énfasis en algunos compositores norteamericanos como John Adams, o John Corigliano. También estudiaremos varios aspectos orquestales sobre ejemplos de obras de Aarvo Part y John Tavener.

"Recomiendo estos cursos porque, además de componer y crear nuevas obras, analizaremos la música de los grandes compositores de hoy en día, y también tendremos la oportunidad de trabajar con los profesores y con los alumnos de las otras especialidades"

A propósito de estos cursos me gustaría comentar un aspecto de la situación de la música en Valencia que estará muy presente en estos "XXXI Cursos Internacionales de Música": me refiero a la "cultura de las bandas", algo muy arraigado en esta zona y que ha hecho que los músicos valencianos estén considerados hoy en día entre los mejores del mundo. En gran parte de la Comunidad Valenciana muchos adolescentes se pasan los fines de semana en la sede social de la banda, estudiando música, ensayando y aprendiendo a tocar un instrumento. También se relacionan con los demás miembros de la banda y viajan a los pueblos vecinos para dar conciertos, pasando los fines de semana aprendiendo música todos juntos, en lugar de estar aislados en sus cuartos y jugando con sus móviles. En la región valenciana no hay adolescente que no sepa tocar un instrumento, independientemente de que una vez terminados sus estudios en la banda, se profesionalicen en la música o decidan seguir por otros caminos. Esto es sencillamente maravilloso, y un ejemplo a seguir que ha creado una cultura musical en toda la región valenciana sin parangón en el resto de España. Esa gran calidad musical solo es posible con una tradición como la valenciana en donde la educación musical, en lugar de limitarse a los estudios tristes en un conservatorio, ha conseguido que la música sea parte del día a día de estos chavales. La música como algo vivo. La música como parte de la vida cotidiana de la gente joven. Algo muy alejado de los postulados rancios y excesivamente académicos de ciertos conservatorios que, desgraciadamente, nada tienen que ver con el día a día de las nuevas generaciones.

2. Ruth Prieto: Acaban de concederle a John Adams el Premio de la "Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento", uno de los más importantes del mundo. ¿Qué le parece a usted el fallo del jurado?
 
Ricardo Llorca: Muy merecido. Habría que destacar que John Adams es un compositor muy reconocido en todo el mundo menos en España en donde andamos un poco sobrados de pedantería y muy faltos de comprensión a la hora de valorar una música que, ciertamente, se aleja de la "teoría del pensamiento único" que todavía se recomienda en ciertos sectores de la música contemporánea en nuestro país. En algunos círculos musicales españoles muy anclados en el pasado todavía se define como "reaccionarios" a todos los compositores que escribimos música tonal, como es el caso de John Adams, y el mío en cierta medida también.

En mi opinión, al igual que casi todo el mundo con cierto sentido común, hace ya muchos años que el público ha perdido el interés por la música contemporánea, y los culpables somos nosotros: los compositores, porque muchos están perdidos en sus dicotomías ininteligibles y han conseguido que nadie se interese por la música de nueva creación. Y encima, tienen la osadía de tildar de “reaccionarios” a todos aquellos que no pensamos como ellos, cuando los auténticos “reaccionarios” son ellos, portadores de una vanguardia que hace mucho tiempo que ha dejado de existir.

John Adams ha declarado que "la música en algunas partituras contemporáneas, ha quedado atrofiada por demasiada especulación intelectual". No me cabe duda que "atrofiada" es la palabra exacta para definir la situación de gran parte de la música contemporánea en España y en ciertas partes de Europa. Por eso, y por otros motivos, me parece perfecto que el jurado de la Fundación BBVA haya hecho justicia premiando a uno de los compositores más importantes del momento, y como ha dicho la propia Fundación BBVA, John Adams ha sido reconocido por ser "un comunicador extraordinario alcanzando a públicos de una forma que democratiza la música contemporánea sin ninguna pérdida de integridad formal y complejidad musical". Adams ha conseguido equilibrar la accesibilidad con la vanguardia y es un claro exponente de la situación de música en el siglo XXI en donde tiene tanta importancia la música clásica como el jazz, la música pop como la música de vanguardia y hasta la música electrónica, que son estilos que tenemos que respetar.

Creo que gracias a John Adams la música contemporánea ha vuelto a ser del interés del gran público que está llenando las salas de conciertos cada vez que se programa una obra suya. Adams es un compositor cuyas óperas ya son del repertorio de los mejores teatros de la ópera del mundo.

En España se han encargado y representados muchas óperas que nunca pasaran a la historia de la música, en las que el público salió espantado incluso antes de terminar el primer acto y dejando la mayor parte del teatro vacío. Esto debería hacernos reflexionar.

3. Ruth Prieto: Usted es profesor de The Juilliard School of Music en Nueva York, en donde tiene una amplísima experiencia como alumno y profesor en diversos niveles ¿Cómo es su experiencia en Juilliard?
 
Ricardo Llorca: Yo comencé en The Juilliard School en 1988 estudiando un máster de composición con David Diamond y John Corigliano, además de asistir a varias clases magistrales de composición con John Adams y de dirección de orquesta con Leonard Bernstein. En el año 1996, un poco después de graduarme, Juilliard me contrató como profesor, siendo yo el primer y único compositor español que ha trabajado como docente en ese centro. Durante muchos años he sido profesor a tiempo completo pero hace algún tiempo que ya solo trabajo en Juilliard a tiempo parcial por problemas de horario ya que necesito más tiempo para componer, y para repartir mi tiempo en otras instituciones tales como "The New York Opera Society", de quien soy compositor en residencia; el grupo de danza contemporánea "Sensedance"; o el "Queen Sofia Spanish Institute", en donde trabajo como director del programa de música. Ahora mismo acabo de impartir unos seminarios en Juilliard sobre "Música Contemporánea Sudamericana", en los que he contado con la inestimable colaboración de la mezzo dominicana Anna Tonna y de la soprano brasileña Angélica de la Riva. Durante el próximo otoño de 2019 impartiré unos seminarios sobre "Richard Strauss", un gran orquestador y compositor que me gusta mucho y del que podrían aprender muchos músicos de hoy; y también estoy organizando unos seminarios sobre "Patty Smith", una compositora y poetisa que rechaza todas las etiquetas y una excusa perfecta para enseñar a los alumnos la obra de los escritores y poetas que han influido más en la obra de Patty Smith tales como Modigliani, Genet, Pollock, Edie Sedgwick, Rimbaud, Jeanne Moreu y Frida Kahlo.

4. Ruth Prieto: A veces encontramos, sobre todo entre los jóvenes compositores, que más que influencia de sus profesores, son verdaderas continuaciones de ellos, ¿Se puede enseñar a componer, sacar lo mejor de un alumno sin cambiar su personalidad?

Ricardo Llorca: Lo que me exijo a mí mismo a la hora de componer, y lo que les digo a mis alumnos, es que hay que olvidarse de la academia, de todas las cosas inútiles que nos han enseñado a lo largo de nuestras carreras, y dejar la pedantería y la autocomplacencia de lado, porque son cosas que no llevan a ningún sitio y que solo reflejan inseguridad. Hay que olvidarse de los dogmas inamovibles que han dominado el mundo de la música durante los últimos 50 años y adaptarse a los nuevos tiempos si queremos sobrevivir y no caer en el olvido. Yo, cuando compongo, me dejo llevar por mi instinto y por mis sentimientos y ya sé que “instinto y sentimientos” son conceptos considerados anacrónicos por ciertos sectores, pero para mí son válidos, así que yo trabajo la música como una terapia y dejo allí, en las notas, toda la alegría o toda la tristeza que pueda tener dentro. 
 
5. Ruth Prieto: Cuando hablamos de música contemporánea, se habla muchas veces de desencuentro con el público ¿cuándo se produce ese desencuentro y por qué? ¿Hemos perdido la batalla de la música contemporánea?

Ricardo Llorca: No existe ninguna duda de que en los últimos años las tendencias artísticas han sido cada vez menos radicales. Mirando hacia atrás, concretamente a los años noventa, uno puede reconocer un amplio movimiento, entre compositores de distintos temperamentos e ideas estilísticas, hacia una orientación más tradicional.
La música de vanguardia nació más gracias a un impulso crítico, filosófico y estético, que a razones de índole estrictamente musical. Dicha música estaba más fundamentada en base a una conciencia reflexiva que en base a una conciencia intuitiva. Sin embargo hoy en día la imagen que se tenía de un compositor excesivamente especialista y cerrado en canal a otras tendencias musicales que no fueran las suyas propias se va abandonando poco a poco. Hasta los años noventa los compositores de vanguardia habían estado rodeados de una imponente masa de declaraciones de principios y de explicaciones que muchas veces no hacían sino justificar lo injustificable, es decir, justificar con el lenguaje la ausencia absoluta de música.
A partir de los años noventa se tiende hacia un pensamiento más libre, aunque más equivocado según algunos y basado en que de poco valen las declaraciones de los artistas pues lo que cuenta en definitiva son sus obras.
Coincido plenamente con esto, aún sabiendo que esta teoría me pueda llevar a posturas a veces demasiado simplistas. Creo que hay que saber separar la actividad creadora de la actividad crítica. Estas dos funciones deben ser totalmente independientes la una de la otra. Los compositores no necesariamente tenemos porque explicar lo que hacemos, puesto que muchas veces lo que escribimos no es sino un mero producto de nuestra intuición y no de la reflexión.

Si las décadas de los años cincuenta, sesenta y setenta pudieron verse como unas décadas caracterizadas por la alienación musical, con sus manifestaciones radicales dirigidas contra la música de concierto tradicional, las de los ochenta y noventa representan un periodo de extensa reconciliación con el pasado. En lugar de buscar nuevas posibilidades, los compositores hemos comenzado a interesarnos por encontrar nuevas formas de incorporar lo que ya existía en un lenguaje musical más consistente y comunicativo.

Técnicamente, esto se refleja claramente en la vuelta a la tonalidad así como en un deseo de proyectar un tipo de expresividad musical más directa. Los aspectos sensuales de la música (el desarrollo melódico, las texturas, las armonías funcionales, el contrapunto...) han recibido una importancia nueva y general. Los compositores norteamericanos David Diamond y David del Tredici, con los cuales también he trabajado, han hecho también grandes esfuerzos por “redescubrir” la tonalidad. Dichos compositores se encuentran entre aquellos que comenzaron a adoptar un tono expresivo abierto y tradicional, en un momento relativamente temprano. Pero muchos otros, como los compositores Gorecky, Aarvo Part o el mismo Penderecki, cuya obra anterior había sido escrita bajo fundamentos estéticos muy diferentes, se han embarcado en cursos similares.
Otro aspecto que nos muestra la importancia que se le está dando de nuevo a los valores tradicionales, es la recuperación paulatina de compositores a los que durante muchos años se les había considerado, a veces hasta de forma despectiva, anclados en el pasado. Hoy en día se está revisando y redescubriendo la música de compositores que nunca quisieron abrazar el radicalismo de las vanguardias. Dos casos muy significativos de dicha revision, o redescubrimiento musical, son el compositor norteamericano Samuel Barber o el español Óscar Esplá.
Samuel Barber escribió gran parte de su obra muy en contra de las corrientes vanguardistas dominantes de la época y fue criticado por otros compositores cuya obra, paradójicamente, ha caído en el olvido más absoluto. Sin embargo, hoy en día la Sonata de Piano de Barber está ya en el repertorio de casi todos los pianistas, y su Adagio para Cuerdas es pieza de concierto obligada. Óscar Esplá es otro claro ejemplo de esta nueva tendencia hacia la revisión de músicas de compositores, que fueron ignorados y subvalorados, en vida. Es curioso ver como Óscar Esplá también sufrió cierta critica por parte de las vanguardias españolas durante los años sesenta y setenta. Sin embargo veinte años después de su muerte, y tras haber sido arrinconado de la manera más injusta, hoy en día se vuelve a considerar a Óscar Esplá como una de las grandes figuras de la música española de este siglo, ocupando de nuevo el sitio que realmente le corresponde.

6. Ruth Prieto: ¿Hay que enseñar a los compositores también a gestionar, a saber moverse en un mundo de encargos y ayudas que a veces puede llegar a ser muy cruel?

Ricardo Llorca: Por supuesto. A los alumnos hay que enseñarles que el mundo de la música, y no solo el de la composición, es muy duro. Los compositores tenemos que tener las espaldas de acero, y no tomarnos las críticas de manera personal. Hay que seguir adelante a pesar de las constantes negativas y no solo por parte de las instituciones, sino muchas veces por parte de nuestros propios colegas. La composición es un mundo muy competitivo en donde somos muchos y con muy poca oferta y eso provoca celos y envidias que no deberían de existir.
Yo tengo la costumbre de decir siempre lo que pienso y eso es algo que me ha acarreado muchos disgustos. Afortunadamente a mí no me afectan mucho las críticas, aunque conozco compañeros que lo pasan muy mal cada vez que una orquesta o que un teatro les niegan el apoyo, cosa que, por otro lado, es lo normal en esta profesión.

7. Ruth Prieto: ¿Que nos puede adelantar de sus próximos proyectos?

Ricardo Llorca: Me encuentro en muy buen momento y lleno de proyectos. Entre otras muchas cosas, el Teatro de la Zarzuela de Madrid representará durante el próximo mes de Noviembre de 2019 mi última ópera "Tres Sombreros de Copa", estrenada con gran éxito en Sao Paulo el año pasado. Me gustaría recalcar la labor tan importante que está realizando Daniel Bianco, el director del Teatro de la Zarzuela, y todo su equipo, para revitalizar y renovar el mundo de la lírica en España, algo que era muy necesario para atraer público nuevo al mundo de la zarzuela y de la música clásica en general. Renovarse es algo que valoro mucho y que deberíamos aprender todos los músicos y los compositores si no queremos caer en el olvido. Por eso pienso que la política cultural de acercamiento a nuevos públicos que se está llevando a cabo en el Teatro de la Zarzuela debe de ser un ejemplo a seguir por otros muchos teatros y orquestas sinfónicas del país.
También voy a estar durante el próximo mes de mayo de gira en Colombia, en donde voy a dar unas clases magistrales en el Conservatorio del Tolima, y en donde van a representar mi obra "Borderline, para piano solista, batucada y orquesta sinfónica", una obra que encargó Rosa Torres Pardo y con la que me está yendo muy bien puesto que ya se ha representado en España, en los Estados Unidos, y en varios países latinoamericanos. Creo que en Sudamérica, ahora mismo se está viviendo un momento muy interesante, musicalmente hablando. Las orquestas y conservatorios de “El Sistema” que inició Jose Antonio Abreu en Venezuela, funcionan maravillosamente en la mayoría de los países latinoamericanos y ha ayudado mucho a introducir a la gente joven en la música clásica. Creo que regalar instrumentos a los jóvenes de los barrios menos favorecidos es una gran idea y ofrecerles becas para que estudien en los conservatorios ha ayudado a que en las salas de conciertos de Brasil, y de muchos otros países en Latinoamérica, estén ahora llenos de gente joven, algo que echo en falta en los auditorios europeos o norteamericanos.

Las fotografías de Ricardo son de Luis María Larrea Silva


 




 
Del 1 al 5 de Julio  del 2019 en Benidorm, tendrá lugar el XXXI Curso Internacional de Música de Benidorm.
Esta edición del Curso cuenta con cuatro especialidades instrumentales y una no instrumental, violonchelo, piano, trompeta, saxofón  y composición, que serán impartidas por los maestros Michal Dmochowski, Angel Sanzo, Adán Delgado, Jean Denis Michat y Ricardo Llorca.
Alumnos de todo el mundo tendrán la oportunidad de recibir clases de estos maestros, a la vez que podrán asistir a los conciertos que durante toda la semana se celebran en el Ayuntamiento de Benidorm.
El Curso es una oportunidad única para los alumnos, como lo es también para los ciudadanos de Benidorm que, durante esos días, podrán disfrutar de los conciertos protagonizados por profesores y alumnos del Curso y del Concurso de Música de Benidorm.

Más información en la web del festival Curso Internacional de Música de Benidorm


 
Ricardo Llorca es uno de los compositores más interesantes de la generación de compositores contemporáneos Hispano-Norteamericanos. Llorca nació en 1962 en Alicante, ciudad de un Levante cuna de grandes músicos como Óscar Esplá, Ruperto Chapí, José Iturbi, López Chavarri, Martín y Soler, Joaquín Rodrigo, Tárrega. Trasladado a Madrid, en cuyo Conservatorio estudió, Llorca tuvo por principales maestros a Román Alís y Antón García Abril, siguiendo también los Cursos teóricamente más avanzados del Festival de Granada con Luigi Nono, Carmelo Bernaola y Luis de Pablo. En 1988 y al terminar su carrera, Llorca viajo a Nueva York para perfeccionar sus estudios en The Juilliard School, donde ha trabajado con los compositores David Diamond y John Corigliano. Una vez finalizados sus estudios, Llorca ha ejercido como profesor en dicha escuela, cargo que ejerce en la actualidad. Llorca alterna el trabajo docente en Juilliard con su labor compositiva, cuya relevancia le ha merecido el ser galardonado con la beca "Richard Rogers Scholarship, 1992"; el premio "American Chamber Music Award, 1994"; el Premio "Virgen de la Almudena, 1999"; y el Premio "John Simon Guggenheim, 2001", uno de los más prestigiosos de la vida intelectual norteamericana. 

Ricardo Llorca es Compositor en residencia de la compañía de danza contemporánea “Sensedance - New York City". Llorca trabaja actualmente como profesor en “The Juilliard School” y “Queen Sofía Spanish Institute” de Nueva York. Ha sido compositor-becario de “The Argosy Foundation” y “Met-Life/Meet the Composer Series 2009”.

La Orquesta Nacional de España (ONE) le encargó una nueva obra de orquesta: "Thermidor", estrenada en Octubre de 2014 en el Auditorio Nacional de Madrid.
El pasado mes de Noviembre del 2017 Ricardo Llorca estrenó su nueva ópera “Tres sombreros de copa” en Brasil, encargo de The New York Opera Society” y el Consulado General de España en Nueva York. Será estrenada en breve en la ópera de Manaos y en noviembre del 2019 se estrena en el Teatro de La Zarzuela en Madrid.
 
DESARROLLO DE LAS CLASES

Los seminarios se dividirán en clases de mañana (elemental/principiantes) y clases de tarde (medio/avanzado).
Dentro de los dos niveles (elemental o avanzado) las clases se subdividirán en segmentos prácticos y segmentos teóricos.


CLASES PRÁCTICAS
 
Se sugiere que, tanto los alumnos de elemental/principiantes como los de medio/avanzado, envíen junto con su matrícula (o unas semanas antes del inicio de las clases) alguna obra suya (o, en su defecto, algún boceto) compuesta para uno o para varios de los instrumentos cuya enseñanza se va a impartir de forma paralela en los cursos.
 
Ejemplos. Los alumnos presentarán obras (o bocetos) para:
-Solo piano/ Piano y cello/ Piano y saxo/ Piano y grupo de los vientos (madera o metal) que estén listados en los cursos.
- Solo cello o ensemble de cellos (hasta cuatro)
-Solo trombón o ensemble de trombones (hasta cuatro)
- Trombón solo
-Oboe solo.

Se sugiere que para las clases prácticas los alumnos traigan sus ordenadores con sus obras escritas (y, a ser posible, grabadas por su programa de audio). Durante los cursos se analizarán, corregirán, y estudiarán dichas obras en detalle. Al final de los cursos las obras se interpretarán por los alumnos instrumentistas participantes en las otras clases.
 
CLASES TEORICAS
 
Durante las clases teóricas se analizaran obras de compositores contemporáneos, con especial énfasis en los compositores norteamericanos.
También veremos los diferentes aspectos de la orquestación y estética en ejemplos de las diferentes obras de cámara y orquestales de Aarvo Part, John Adams, o John Corigliano.
Durante las clases teóricas, se escuchará y analizará la música de los compositores de mayor relieve hoy en día, y se verán los diferentes estilos que representan a la sociedad de hoy:
 
  • ¿Cuál es la auténtica influencia de la música contemporánea en el arte de hoy?
  • ¿Por qué muchos compositores jóvenes hoy en día rechazan el experimentalismo y las vanguardias que han dominado la escena durante los últimos sesenta años para regresar a  la musica tonal?
  • ¿Qué es la música minimal?
  • ¿Quién es John Adams?

y, en definitiva, cualquier temática referida a la música de hoy que sea del interés del alumnado.
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