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XXII Festival de Música Contemporánea de Córdoba 2019


25/03/2019

Del 27 de marzo al 6 de abril del 2019 tendrá lugar la edición del Festival que cumple veintidós años y en la que este año participan José Luis Temes, Yubal Gotlibovich, Trío Arbós, Ricardo Descalzo, Ricard Capellino, el dúo Iberian&Klavier y Dúo Lisus.





 


El Festival de Música Contemporánea de Córdoba, que cumple veintidós años de programación ininterrumpida, es el evento especializado en este género de música más longevo de los que permanecen activos en Andalucía, y uno de los más antiguos de España. Con Juan de Dios García Aguilera como director artístico, las claves de su éxito parecen estar tanto en la selección de una programación esmerada y representativa, como en la acción pedagógica y divulgativa que el festival ha venido ejerciendo sobre su público, que ha ido incrementando progresivamente la asistencia.

El ciclo de conciertos tendrá lugar en los días 27 al 30 de marzo y 3 al 6 de abril. En la jornada inaugural del día 27 estará presente el director de orquesta José Luis Temes, que viene a presentar dos de los filmes de su proyecto «LUZ», en concreto LUZ 3: Exequias para Fernando Zóbel, basada en la obra del mismo título del compositor José Luis Turina, en versión de la Orquesta de Córdoba y el Coro Ziryab, cuyo contenido vincula a José Luis Turina con el pintor Fernando Zóbel, la ciudad de Cuenca y su Museo de Arte Abstracto Español. Y la otra es LUZ 6: El mismo cielo, creada a partir de la obra orquesta Cantos de Ziryab de Santiago Lanchares.

El día 28, recital de viola a cargo de Yubal Gotlibovich, intérprete, compositor y profesor, poseedor de primeros premios en las competiciones Lionel Tertis (Reino Unido), Fischoff (USA) y Aviv (Israel), con obras de los compositores Eneko Vadillo, Ramón Paus, Mauricio Sotelo y Atar Arad.
El 29, el Trío Arbós con la colaboración del cantaor flamenco Rafael de Utrera presentarán su espectáculo Flamenco envisioned, un diálogo entre creación musical actual y el flamenco tradicional que viene cosechando un clamoroso éxito dentro y fuera de España.
La primera semana de programación finalizará con la actuación el día 30 del pianista Ricardo Descalzo, presentando un programa de piano y electrónica titulado Dreaming Drums, con composiciones de Cerrone, Agnes, Svetlichny, Ishii, Eggert, Larcher y Psathas.
El día 3 de abril estarán presentes el compositor Alberto Posadas y el saxofonista Ricard Capellino. Vienen a presentar, en los Jardines de Orive, la obra «Veredas» de Posadas, un concierto itinerante en torno a poesía, espacio, música y escucha.
El día 4, a propósito del ochenta cumpleaños del compositor Leo Brouwer, que este año se celebra, el guitarrista Javier Riba y el Cuarteto de Cuerdas de La Habana van a interpretar un concierto monográfico con parte de su obra más reciente.
El día 5 intervendrá el dúo Iberian&Klavier con un programa de obras para dos pianos y piano a cuatro manos de los compositores Marisa Manchado, Arvo Part, Javier Costa Ciscar y George Crumb.
Cerrarán el festival, el día 6 de abril, los sevillanos Dúo Lisus (saxofones) con la actriz Nati Villar, que vienen a representar su espectáculo «Sombras», en el que se combinan el teatro, la música y el arte visual con obras de Martín Quintero, Manuel Busto, David Seguí, Vicent Berenguer, Ana Teruel y Diana Pérez Custodio.
 


Programas:
 
Programa nº 1 /  Miércoles, 27 de marzo

José Luis Temes (director de orquesta)
Proyección «Proyecto LUZ»
 
Notas:

El Proyecto LUZ pretende difundir una serie de obras magníficas del sinfonismo español a través de una serie de audiovisuales creados específicamente para cada una, cuyas imágenes vinculan la música con otros aspectos de la cultura española. En general están sincronizados casi fotograma a fotograma. La duración total de cada uno oscila entre 23 y 31 minutos.
2. De las seis entregas que he realizado hasta el momento (una de ellas, aún en elaboración), hay dos referidas a música contemporánea española: LUZ 3 (en torno a José Luis Turina) y LUZ 6 (en torno a Santiago Lanchares). Obviamente son estas dos las que os propongo para vuestro Festival. He aquí algunos detalles sobre ambas:
LUZ 3: Exequias para Fernando Zóbel (23 min.) Se basa en la obra del mismo título de José Luis Turina, en versión de la Orquesta de Córdoba, con el Coro Ziryab (también de Córdoba, como bien sabes), dirigidos por mí. Su contenido vincula a José Luis Turina con el pintor Fernando Zóbel, la ciudad de Cuenca y su Museo de Arte Abstracto Español.  
LUZ 6: El mismo cielo (27 min.). A partir de la obra orquestal Cantos de Ziryab, de Santiago Lanchares, en versión de la Joven Orquesta Sinfónica de Cantabria, dirigida por mí. Es un canto a la espiritualidad común entre las diferentes religiones, especialmente referido a las diversas espiritualidades que ha heredado la cultura española: el mundo persa, islámico, judío, cristiano...  Ambas obras guardan relación con Córdoba, su cultura y su Orquesta actual.
 
 
José Luis Temes, nació en Madrid en 1956. Estudió principalmente con los profesores Julián Labarra, Federico Sopeña, Enrique Llácer, José María Martín Porras y Ana Guijarro. Titulado por el Conservatorio de su ciudad natal, dirigió entre 1976 y 1980 el Grupo de Percusión de Madrid: y el Grupo Círculo entre 1983 y 2000.
En la década de 1980 dio el salto a la dirección orquestal. Desde entonces ha trabajado con la práctica totalidad de las orquestas españolas, y también con otras europeas (Filarmónica de Londres, Radio de Belgrado, RAI de Roma, Gulbenkian de Lisboa…). Ha dirigido en infinidad de ciclos y festivales de toda España y en ciudades como Nueva York, Londres, París, Roma, Milán, Viena, Zagreb, Budapest, Belgrado, Lisboa, etc. Temes ha dirigido el estreno de unas 340 obras y grabado más de un centenar de discos.
En cuanto divulgador, ha ofrecido más de 400 conferencias. Es autor de numerosos libros y ensayos, entre los que destacan un extenso Tratado de Solfeo Contemporáneo, la primera biografía en español de Anton Webern, dos volúmenes sobre la historia perdida del Círculo de Bellas Artes de Madrid, y su reciente El siglo de la Zarzuela (Siruela, 2014).
Al cumplir en 2016 sus cuarenta años como director, principalmente centrados en el Patrimonio Musical Español, antiguo y contemporáneo, publicó un libro de recuerdos de personajes y situaciones, con el título de Quisiera ser tan alto…
En el terreno de la narrativa, a su primer libro de relatos (Tres cuentos para Ita, 2010), le siguió Al pisar tu jardín en 2012.
En junio de 2009 los Príncipes de Asturias le hicieron entrega del Premio Nacional de Música, en atención «a su inmensa labor como director de orquesta».
 
 

Programa nº 2 / Jueves, 28 de marzo

Yubal Gotlibovich (viola solo)
 
Programa:
Nassem (2015) (14’)  Eneko Vadillo
Víspera (2012) (7’)*  Ramón Paus
Muros de dolor… VII a: Bulería (2017) (14’)**  Mauricio Sotelo (trans. Tabea Zimermann)
Sonata para viola sola (1992) (30’)  Atar Arad
* estreno absoluto
** estreno en España


De Naseem para viola sola explica su autor, Eneko Vadillo, “que fue compuesta específicamente para el concurso internacional de composición para viola NOOA 2015, resultando finalmente ganadora. Fue estrenada por Yuval Gotlibovich en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. El título de la obra, sacado de un poema persa del siglo II, se puede traducir libremente como brisa. La obra divida en 4 secciones, explora los aspectos tímbricos, líricos y sonoros de la viola, pero dentro de un material que es unitario y polifónico en su desarrollo. De una situación en donde se percibe un pulso, se deriva a un ritmo-armonía y de ahí a una melodía-textura hasta llegar al torrente final donde todos los elementos se unifican en una sola textura multiparamétrica.”
De la misma manera, Ramón Paus nos revela acerca de su obra “mucho tiempo después y sin pelotón de fusilamiento entendí que mi obra Víspera no era más que un intento de recuperar la intensa emoción que me produjo el final de 100 años de Soledad. Toda la existencia y la vida misma se agolpan en unos instantes, Aureliano Buendía se muestra aquí habitado de una intensa zozobra necesitando descubrir imperiosamente cual fue el origen de su estirpe. Como si no íbamos a entender la pregunta inicial de Víspera, las melodías ágiles en la primera cuerda suspendidas en tresillos sobre las cuerdas interiores, las octavas ancestrales, las progresiones de acordes enajenados en tres y cuatro partes que nos dejarán justo delante del abismo.”
Para Mauricio Sotelo el estímulo fue el color oscuro de la viola: “el color oscuro de la viola hace inevitable que uno de estas breves composiciones esté dedicada a este instrumento y así compuse en 2017 este Muros de dolor…VII. La obra comienza con una ‘cadenza’, un movimiento ondulante cuyas líneas en forma de espiral nos conducen gradualmente al tema central de esta pieza que es una ‘Bulería’, una bulería con todas las características rítmicas, de giros modales y ‘remates’ como son empleadas en el flamenco tradicional, pero aquí podríamos decir ‘sotelizadas’. Una línea descendente cromática, cada vez más lenta, nos conduce al sombrío ambiente de la ‘soleá’ final. Un canto breve de extremada profundidad expresiva, que nos habla de ancestrales lamentos del alma –“voz de dolor, i canto de gemido” (F. de Herrera, Canto I)–.”
También Atar Arad habla acerca de su composición: “mi Sonata para viola sola surgió de un buen número de improvisaciones, en combinación con ideas instrumentales y musicales inspiradas por años de contacto directo con mi amada viola de Nicolo Amati. Solo cuando la pieza comenzó a tomar forma me di cuenta que la amalgama de sabores de Oriente Medio y balcánicos era un reflejo de mi gran añoranza de mi infancia y de la música israelita de los 50.”
 
Yuval Gotlibovich, intérprete, compositor y profesor; la actividad artística de Yuval Gotlibovich es variada y está interconectada. Como violista ha ganado el primer premio en las competiciones Lionel Tertis (Reino Unido), Fischoff (EEUU) y Aviv (Israel). Es invitado asiduamente como solista con la Sinfónica Jerusalén, Orquesta de Cámara de Israel, Real Filharmonía de Galicia, Tel Aviv Soloists Ensemble, Ostrobothnian Chamber Orchestra, Orquesta de Cambra Catalana y Texas Festival Orchestra entre otras. Como recitalista ha actuado en Wigmore Hall, Kennedy Center y Tel Aviv Museum entre otros y es invitado regularmente a los festivales más importantes de Europa. Su álbum debut para el sello discográfico NAXOS, con la música de viola de Ramón Paus, ha entrado en la lista como número 6 de los discos más vendidos en todo el mundo por NAXOS, en el primer mes de su lanzamiento.
Su pasión por combinar interpretación, composición e improvisación le han llevado a la creación de la música original que acompaña en directo a películas de cine mudo. Dichas películas han sido interpretadas en directo en festivales de Cine y festivales de Musica en España, Finlandia, Italia, Slovakia, Belgica, Alemania y Israel. Su arreglo de trece de las Variaciones Goldberg de J.S.Bach han sido grabadas por Sony Classical Spain con el Trío Garnati Ensemble. Ha compuesto la música para la película documental ¨Pantalla Rasgada¨ dirigida por Gerardo Gormezano. Su Sonata para viola y Piano fue estrenada este año en la Ópera de Tokio por Nobuko Imai y Izumi Tateno (editada por Da-Vinci Editions). La pieza se ha presentado de nuevo en una gira en Japón, interpretada por Tateno y Gotlibovich esta primavera y será interpretada próximamente en Japón y Europa. 
Su finalización de la Sinfonía Concertante de Mozart para trío de cuerdas y orquesta (Boileau Editions), se estrenó en un concierto especial, donde Gotlibovich, dirigió y tocó como solista con la Camerata Strumentale Città di Prato, en Florencia.
Gotlibovich es el director artístico del Festival Internacional de Música ´Ciudad Monumental de Cáceres´ y del concurso de composición Nooa, además es profesor de viola en la HochSchule de Frankfurt y el Conservatorio Della Svizzera Italiana. y ha sido el profesor más joven de la Universidad de Indiana. Sus principales profesores han sido Atar Arad, Anna Rosnovski y Lilach Levanon. Este Año sus compromisos incluyen recitales de Música de Cámara en Wigmore Hall, Concertgebouw, Classica Habana en Cuba, así como una gira por China en la primavera de 2019.
 

 
Programa nº 3 / Viernes, 29 de marzo

Trío Arbós
Juan Carlos Garvayo, piano
Cecilia Bercovich, violín
José Miguel Gómez, violonchelo
 
Rafael de Utrera, cantaor
 
Flamenco envisioned
(un diálogo entre creación musical actual y flamenco tradicional)
 
 
Programa:
Soleá apolá**
La tierra con los dientes (2017)  Thierry Pécou (1965)
Fandango natural*
De dentro afuera (2016)  Elena Mendoza (1973)
Malagueña*
Malagueña ausente (2016)  Jesús Torres (1965)
Tientos-tangos*
Fancing flamingo (2017)  Bernhard Gander (1969)
Canción de amor**  Paco de Lucía (1947-2014)
Bulería Arbós. Ritual (2017)  Mauricio Sotelo (1961)
Buleriando**  Moraíto Chico (1956-2011)
 
*(adaptaciones del flamenco tradicional por el Trío Arbós)
**(transcripciones para trío de Juan Carlos Garvayo)

Trío Arbós, Premio Nacional de Música 2013, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1996, tomando el nombre del célebre director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós (1863-1939). En la actualidad es uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical español. Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo y el romanticismo (integrales de Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, etc.) hasta la música de nuestro tiempo. Desde su formación en 1996, uno de los principales objetivos del Trío Arbós ha sido la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras. Compositores de la talla de Georges Apeghis, Ivan Fedele, Toshio Hosokawa, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, José Luis Turina, José María Sánchez-Verdú, César Camarero, José Manuel López López, Hilda Paredes, Aureliano Cattaneo, Gabriel Erkoreka, Marisa Manchado, Miguel Gálvez Taroncher, Harry Hewitt, Roberto Sierra, Marilyn Shrude, Jorge E. López y German Cáceres, entre otros, han escrito obras para el Trío Arbós.
El Trío Arbós actúa con regularidad en las principales salas y festivales internacionales a lo largo de más de 30 países: Konzerthaus de Viena, Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, Academia Sibelius de Helsinki, Wittener Tagefür neue Kammermusik, Teatro Colón de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Madrid, Festival de Kuhmo, Bienal de Venecia, Festival de Spoleto, MUSICA Festival de Estrasburgo, Philarmonie de Berlín, Festival Klangpuren, ULTIMA de Oslo, Time of Music de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival de Ryedale, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, Festival Internacional de Granada, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Santander, etc. El Trío Arbós ha realizado más de 20 grabaciones para sellos como Naxos, Kairos, Col Legno, Verso, Ensayo, Fundación Autor e IBS Classical, dedicadas a Joaquín Turina, Jesús Torres, César Camarero, Gabriel Erkoreka, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Roberto Sierra, y otros muchos compositores españoles e iberoamericanos. Ha grabado para KAIROS el triple concierto "Duración Invisible" de César Camarero con la Orquesta Nacional de España dirigida por Peter Hirsch. Durante cuatro temporadas el Trío Arbós se estableció como conjunto en residencia del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Su proyecto "Triple Zone", para la ampliación y difusión de la literatura para trío con piano, ha sido patrocinado por la Ernst von Siemens Musikstiftung y por la Fundación BBVA. El pasado mes de septiembre retomó la organización de la 4ª edición del Festival Música Sur, que tiene lugar en la localidad granadina de Motril.
 
Rafael de Utrera, cantaor
Nació en Utrera, en el número 13 de los postigos de la Calle Nueva, donde siempre hubo mucha fiesta flamenca y mucho cante. Fue allí donde comenzó a cantar, continuando en la taberna de su padre “El Punto”, donde diariamente brotaban cantes de gargantas aficionadas que provenían de trabajadores del matadero municipal y del campo. Poco después empezó a hacer sus primeras actuaciones.
Con 21 años empezó a cantar para el baile. En aquella época, conoció a la que hoy es su mujer la bailaora Carmen Lozano que bailaba en el tablao flamenco Los Gallos, en Sevilla y a través de ella conoció a gente que le propuso cantar en ese tablao. De allí pasó al tablao flamenco El Cordobés, en Barcelona donde la que sería su mujer actuaba y Rafael la acompañaba con su cante. Desde entonces empezó a cantar para figuras como Cristina Hoyos, Joaquín Cortes, Compañía Andaluza de Danza, Israel Galván, Farruquito, Eva “La Yerbabuena”, Carmen Cortés, Manuela Carrasco y otros. Cristina Hoyos fue determinante para su carrera, ella le ofreció un buen lugar en su Compañía como cantaor y le dio su apoyo y cariño incondicional en momentos duros de la profesión.
Ha tenido el honor de acompañar a guitarras como la de Tomatito, Gerardo Núñez, José Antonio Rodríguez, Vicente Amigo y el Maestro Paco de Lucía. También ha acompañado al pianista David Peña Dorante. Su carrera es muy intensa, pero ha sido en estos últimos años cuando está dando pasos agigantados. Piensa que cantar para el baile o en solitario, da confianza y soltura y son distintas facetas que hay que ejercer. Para hablar de sus influencias artísticas podríamos nombrar a las figuras de su tierra Perrate, Manuel de Angustia, Enrique Montoya o Fernanda. Otras figuras que han influido notablemente son Luis Torre “Joselero”, Juan Talega, Joaquín el de la Paula, Antonio Mairena, Chocolate, El Sevillano, Marchena, Manolo Caracol, Camarón, etc.
Paco de Lucía escucho hablar de Rafael de Utrera a unos amigos y le propuso una gira una gira mundial por Europa, Asia y Estados Unidos. Cantar para Paco, interpretando temas de Camarón es lo más grande que Rafael pudiera soñar.
Rafael de Utrera ha colaborado en discos de numerosos artistas como José Mercé, José Antonio Rodríguez, Niño de Pura... también el documental de la vida de Paco de Lucía, el  disco de Vicente Amigo junto a Alejandro Sanz, Enrique Morente y Niña Pastori entre otros y una colaboración reciente, con la orquesta Metropole de Holanda, bajo la dirección Vince Mendoza, donde se grabó un disco en directo llamado “Proyecto Lorca”.
 

 
Programa nº 4 / Sábado, 30 de marzo

Ricardo Desclazo (piano y electrónica)
Urbez Capablo (sonorización)
 
«Dreaming Drums»
 
Programa:

Harriman (3’)  Christopher Cerrone
Mobile (8’)  Michelle Agnes   
Techno music (5’)   Anton Svetlichny 
Aphosirmen II (10’)  Maki Ishii 
Jerusalem (7’)  Moritz Eggert    
Smart Dust (10’)  Thomas Larcher 
Demonic Thesis (Songs for Simon) (5’)  John Psathas 
Claremont (Memory Palace) (3’)   Christopher Cerrone
 
Interludios electroacústicos de “Five days” de Christopher Cerrone
 
Notas:
El piano es un instrumento de percusión y se ha utilizado como tal en épocas recientes. En la composición actual, los creadores han ideado nuevas posibilidades sonoras del instrumento usándolo como una caja resonadora con múltiples posibilidades. Moritz Eggert utiliza todo el perímetro del piano en su pieza Jerusalem para desarrollar una rueda de acciones sonoras en el interior del piano que van incrementándose en velocidad siguiendo las reglas de un juego infantil conocido. Una pequeña gamberrada de enorme dificultad técnica de un compositor sin complejos.
La utilización de diferentes objetos en el interior del cordaje convierte al piano en un nuevo instrumento capaz de crear sonidos imposibles. Michelle Agnes con su Mobile ha creado una de las piezas más fascinantes de los últimos años con imanes de gran potencia oscilando entre las cuerdas. Su piano homenajea al de John Cage y parte de la misma fuente de inspiración que sus famosas sonatas Gemini: el mundo escultórico de Richard Lippold y sus gigantescas instalaciones tubulares.
El piano preparado que también utiliza Michelle confiere al instrumento la posibilidad de permutar en otro diferente. Thomas Larcher transforma por completo la sonoridad de su piano en Smart dust convirtiéndolo en una suerte de marimba donde las baquetas se cambian por los dedos del pianista recorriendo con ritmos vertiginosos todo el teclado.
Maki Ishii imagina en Aphorismen II un universo compartido donde el piano se rodea de un tam-tam sinfónico, una lira y varios instrumentos de pequeña percusión. El pianista amplía aquí sus habituales posibilidades con otros instrumentos tocados por él mismo en un imaginado setup donde el piano es el centro.
En Demonic Thesis de John Psathas, el piano parece improvisar sobre una base electrónica de ritmos techno frenéticos creada con sonidos de una batería. El techno es también el protagonista de Techno music de Anton Svetlichny. Esta vez no hay electrónica; todos los sonidos se crean de manera acústica accionando sobre las cuerdas del piano en una obra juvenil de bravura.
El concierto se abre y se cierra con dos fragmentos ensoñadores de Christopher Cerrone que enmarcan de manera onírica el viaje. Harriman con una simple melodía sobre fondo de grillos y Claremont utilizando botellas afinadas.
Entre las diferentes piezas habrá espacios sonoros electrónicos mientras se prepara la siguiente pieza.
 
Ricardo Descalzo
El interés por conocer y compartir la música de nuestro tiempo ha llevado a Ricardo Descalzo a dedicar toda su actividad profesional a su estudio y difusión. Esta dedicación le ha permitido obtener múltiples premios en el ámbito de concursos internacionales especializados. Ha obtenido además el primer premio en más de quince concursos nacionales e internacionales.
Ha recibido clases de Margarita Sitjes en el Conservatorio Óscar Esplá de Alicante, Alexander Hrisanide en el de Amsterdam, Ana Guijarro en el de Sevilla y Josep Colom en la Universidad de Alcalá de Henares.
Su intensa actividad concertística le ha llevado a tocar en importantes salas de todo el mundo y ha sido invitado por diferentes universidades y conservatorios para ofrecer cursos de especialización en música actual para pianistas y compositores.
Ha actuado además en el Festival Internacional de Ibiza, la Quincena Musical de San Sebastián, el Festival Forfest de la República Checa, el Festival Internacional de Alicante, El Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos y el Festival Ensems de Valencia, así como con la Orquesta Sinfónica de Chile, Orquesta de Cámara de l’Empordá, Barcelona Sinfonietta, Orquesta de Elche, Grup Instrumental de Valencia, la World Orchestra, la Sinfónica de Chile y la Sinfónica de Orleans.
Actualmente trabaja en un proyecto audiovisual grabado en el Auditorio ADDA de la Diputación de Alicante, la "Videoteca de Música Contemporánea para Piano" que pretende convertirse en un portal de referencia para todo aquel interesado en conocer el repertorio solista escrito en los últimos años para piano. Su último trabajo es un DVD en torno a la obra completa para piano de Sofia Gubaidulina que incluye un documental con la compositora y que verá la luz el próximo año. Es profesor de repertorio pianístico actual en Musikene – Centro Superior de Música del País Vasco.


 
Programa nº 5 / Miércoles, 3 de abril

Ricard Capellino (saxofones)
Alberto Posadas (compositor)
 
«VEREDAS» de Alberto Posadas
 
Programa:

Veredas (2014-2018)  Alberto Posadas (1967)
Ruinas (2014), para saxo tenor
Fragmentos Fracturados I (2014), para saxo alto
Serán ceniza (2015), para saxo soprano
Objetos de la Noche (2015), para saxo barítono y spring-drum
Arietta (2016), para saxo sopranino y sordina straight
Límite (2017/2018), para saxo bajo preparado con sordinas plunger y wah-wah
 
Notas
Veredas es una propuesta artística que combina poesía, espacio y música ofreciendo al público la posibilidad de tener una experiencia de percepción diferente; una experiencia abierta en la que éste puede crear su propio proceso de escucha, caminando, explorando, contemplando y descubriendo. Una experiencia en la que el público forma, en última estancia, parte de la actividad creativa. 
Compuesto de seis piezas para saxofón solo, y con una duración total alrededor de 65 minutos, cada una de ellas están escritas para un diferente tipo de saxofón (desde el sopranino hasta el bajo) que toman como referencia diversos poemas del poeta español José Ángel Valente (Orense, 1929-Ginebra, 2000)
El espacio juega también un importante papel en este proyecto. Cada una de las obras será interpretada en diferentes lugares del emplazamiento.
Por otro lado, los oyentes han de estar muy cerca de la fuente del sonido: el saxofón. Esto significa que se moverán desde una pieza a la siguiente a través del espacio, en una especie de peregrinación, siguiendo el sonido. Ellos pueden escuchar la música de diferentes maneras. Podrán estar sentados, estar de pie o tumbarse y elegir entre las diferentes posibilidades ofrecidas por los espacios.
Además, entre algunas piezas puede ser leído el poema sobre el que se basa la música formando parte de este “peregrinaje”.
Por último, el proyecto está pensado para una audiencia reducida, debido a la necesidad de movilidad espacial y de proximidad con el intérprete. Cada uno de los oyentes quedan invitados a participar de una forma creativa durante este proceso. Al principio del evento ellos recibirán un libro de notas donde tendrán algunos extractos de los poemas, algunos borradores de las partituras interpretadas y algunas páginas en blanco donde ellos pueden escribir cualquier cosa que quieran durante este caminar. Al final, intercambiarán sus libros de notas, conservando uno con las notas de otra persona, pero no sabiendo qué persona lo ha escrito. Se trata de realizar una especie de transmisión anónima sobre una experiencia de percepción individual y personal.
 
Ricard Capellino
Nace en Sueca (Valencia) y pronto inicia sus estudios recibiendo clases de numerosos profesores, participando como intérprete solista en numerosas partes del mundo como París, Burdeos, Berlín, Basilea, Lisboa, Milán, Helsinki, Santos, Amsterdam, Sao Paulo, Santiago de Chile, etc. en diferentes ciclos y festivales internacionales y estrenando numerosas obras actuales de diferentes compositores.
Tiene varios registros para RTVE, RNE, Radio y Televisao de Portugal, Radio 1 de Finlandia y varios CDs. Actualmente ha finalizado un nuevo trabajo sobre nuevas posibilidades sonoras del saxofón.
Implicado en la interpretación de música contemporánea, ha participado con diferentes grupos y ensembles, compaginando esta faceta con la pedagógica y la investigadora.
Ricard Capellino interpreta exclusivamente con saxofones Selmer París.

Alberto Posadas
Nacido en Valladolid, comienza allí sus estudios musicales continuándolos luego en Madrid.
En 1988, el encuentro con Francisco Guerrero es fundamental en su carrera. Con él, explora las nuevas formas musicales gracias al uso de técnicas como la combinatoria matemática y la teoría fractal. Además, la constante búsqueda de integración estética le lleva a buscar otros modelos de composición como la transposición de música en espacios arquitectónicos, técnicas derivadas de la pintura o la exploración acústica de los instrumentos a nivel microscópico.
Compositor de amplia producción su música ha sido interpretada por numerosos intérpretes de prestigio internacional y en todas partes del mundo, siendo premiado, entre otros, con el Premio del público en el Festival Ars Musica de Bruselas en 2002 y con el premio nacional de música en 2011.públic al Festival Ars Musica de Brussel·les al 2002 y con el premio nacional de música al 2011.
 
 
 
Programa nº 6 / Jueves, 4 de abril

Javier Riba (guitarra)
Cuarteto de cuerdas de La Habana
 
Efemérides «Leo Brouwer»
 
Programa:

Elogio de la Danza, para guitarra (1964)
Lento
Obstinato
Cuarteto nº 5 (dedicado a Jorge Hernández)
Lento
Celebración
Baladas del Decamerón Negro, para guitarra y cuarteto de arcos (2013)*
El arpa del guerrero
Huida de los amantes por el valle de los ecos
Balada de la doncella enamorada
Quinteto con guitarra (1957)
Allegro
Adagio
Finale
 
* Estreno en España.
 
 
Javier Riba, catedrático de guitarra por concurso-oposición, desempeña su labor docente en el Conservatorio Superior de Música “Rafael Orozco” de Córdoba (España).  Discípulo de Manuel Abella, Marco Socías y Demetrio Ballesteros, ha recibido consejos de Leo Brouwer y Ricardo Gallén, entre otros. Como concertista ha actuado en destacados escenarios como el Gran Teatro de La Habana (Cuba), Palacio Jamai de Fez (Marruecos), Auditorio Nacional de Madrid, Museo de la Música de Barcelona o Gran Teatro de Córdoba, en recitales a solo, de cámara o con orquesta, bajo la batuta de Leo Brouwer, Lorenzo Ramos, Manuel Hernández Silva o José Luis Temes. «Javier Riba es un guitarrista que combina un sonido extraordinariamente bello y evocativo de prístinas bellezas, con la perspicacia de un fraseo capaz de revelar todos los aspectos y valores de las páginas que interpreta». ANGELO GILARDINO, compositor e intelectual italiano. Su primer CD «La guitarra soñada», dedicado a la música de Isaac Albéniz, fue seleccionado para los Grammy Latino y ha sido aclamado por la crítica internacional. Por su segundo CD «Aljibe de Madera», ambos en el selló Tritó, Javier Riba ha sido distinguido con la Medalla de Andrés Segovia por la Fundación que lleva el nombre del célebre guitarrista de Linares. En 2018 ha salido al mercado la primera grabación de Sinfonía Córdoba de Lorenzo Palomo en NAXOS, en la que participa Javier Riba junto al tenor Pablo García López y la Orquesta Sinfónica de Castilla y León bajo la batuta de Jesús López -Cobos.
«Hay tanta delicadeza, tanta poesía y capacidad evocadora en estas transcripciones, que sólo cabe el asombro ante la musicalidad exquisita, el vuelo lírico y la imaginación de este guitarrista español». JAVIER PÉREZ SENZ.  Diario “El País”, 31-I-2009 (reseña discográfica).
Muy vinculado a las guitarras históricas españolas Riba ha ofrecido conciertos con varios instrumentos originales de Antonio de Torres (1859, 1868) y Vicente Arias (1900) a través de los cuales ha realizado importantes recuperaciones del patrimonio musical español: Ernesto Halffter, Jaume Pahissa, María Rodrigo, etc.
Comprometido con la música de su tiempo, Javier Riba ha realizado así mismo numerosos estrenos, incluidas primeras audiciones, de obras para guitarra solista y orquesta a él dedicadas por los compositores Angelo Gilardino, David del Puerto y Juan de Dios García Aguilera.
En su faceta de investigador cabe destacar su coordinación de las jornadas sobre Antonio de Torres, Angelo Gilardino y Miguel Llobet en el Festival Internacional de la Guitarra de Córdoba, y la edición de los volúmenes que recogen las conferencias dedicadas a estos personajes fundamentales de la historia de la guitarra.
 
Cuarteto de cuerdas de La Habana, el Cuarteto de Cuerdas de La Habana ha sido distinguido con dos importantes premios que lo consagran como uno de los conjuntos de cámara de mayor solidez y prestigio de la historia musical cubana: Premio a la Mejor Grabación de Música de Cámara en el Festival CUBADISCO La Habana 2010 y el GRAMMY LATINO USA 2010 AL Mejor Álbum de Música Clásica, ambos por el CD “Integral Cuartetos de Cuerda” de Leo Brouwer. Poseen además el Premio a la Maestría Interpretativa en el Festival de Música de Cámara, La Habana 1987. 
Integrado actualmente por HOANG LINH CHI (1er. Violín), IGMAR ALDERETE (2º violín), JORGE HERNÁNDEZ (viola) y DEBORAH YAMAK (cello), fue fundado en 1980 en La Habana, por iniciativa del maestro Leo Brouwer, con el objetivo fundamental de afrontar el repertorio camerístico latinoamericano, así como el de difundir la literatura contemporánea internacional. Poseen una “particular capacidad” para abordar una amplia variedad de estilos musicales, sus conciertos con Leo Brouwer, Elliot Fisk, Pepe Romero, Javier Perianes, Orlando “Cachaito” López,  Cheikh  Lo,  Ibrahim Ferrer, Buena Vista Social Club, Magic Malik, “El Pele” o Miguel “Angá” Díaz así lo demuestran.
El Cuarteto de Cuerdas de La Habana ha actuado con éxito en salas tan importantes como El Teatro Colón de Buenos Aires, El Palacio de Bellas Artes de México, El Gran Teatro de La Habana, La Maestranza de Sevilla, La Fundación Juan March de Madrid, La Sala del Conservatorio de Berna, La Sala Izbreker de Amsterdam, La Sala Bulgaria de Sofía, El Royal Festival Hall de Londres y La Sala Rachmaninov del Conservatorio Chaikovsky de Moscú, entre otras. También se ha presentado en: Festival Internacional Encuentros de Buenos Aires, Festival Internacional “Spaziomusica” de Cerdeña, Juventudes Musicales de Montevideo, Gran Festival Ciudad de México,  Expo 92 de Sevilla, Jornada de la Cultura Cubana en España,   Semana de música Iberoamericana en Madrid, VI ciclo de Música Contemporánea de Málaga, Festival Internacional “Primavera de Pyonyang”, Festival de la Guitarra de Córdoba, Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante,  Festival de Bilbao, Clausura del CIAM en Córdoba, Festival de Música Iberoamericana de Cadiz, Festival de Canarias, etc.
La crítica no ha escatimado elogios al Cuarteto de Cuerdas de La Habana: “El CCH triunfó legítimamente con Mozart, Ravel y Borodín” (Napoleón  Cabrera, Clarín, 28/VII/88, A rg e n t i n a ) ; “ Vi g o ro s o c u a rt e t o ” ( Wa s h i n g t o n Ro l d á n , E l Pa í s , 1 4 / V I I I / 87,Uruguay);“Afinación, seguridad técnica y empaste mostró el CCH” (Greca Piras, La Nuova, 3/XII/88, Italia); “El CCH demostró su excelencia en la calidad interpretativa de la creación latinoamericana” (Guillermina Ochoa, 9/VIII/90, El Sol de México); “Hay que subrayar el trabajo del cuarteto habanero en una partitura de grandes dificultades” (Enrique Franco, El País, 27/IX/96, España); “Sesión modélica la que protagonizó el magnífico CCH” (Javier Hontañón, Scherzo, Noviembre 96, España);“Los intérpretes mostraron un amplio espectro sonoro, que fue desde una gama de sonidos de tono amplio hasta percusivos” (periódico Bund, 17/III/99, Suiza); “...la obra de Brouwer floreció en una apasionada y segura interpretación” (Jacqueline Oskamp, Volkskrant, 28/VII/00, Holanda); “…una interpretación de extraordinaria intensidad” (Pablo J. Vayón, Diario de Sevilla, 23/I/06, España); “El CCH deslumbró  al selecto público que colmó la sala Rachmaninov del Conservatorio Chaikovsky de Moscú” (Jorge Petinaud. Prensa Latina, 31/IV/09, Rusia). “El CCH, con su álbum ganador del Grammy Latino, debe poner a Cuba en el mapa de la música clásica con mayor firmeza con sus excelentes interpretaciones” (V. Vasant, Allmusic.com,oct./11, USA); “El toque del CCH es ejemplar” (D. DeBoor Canfiel, Fanfare Magazine, sept.-oct./11, USA);“El CCH: …un conjunto de excelentes intérpretes…” (J. Dubins, Fanfare Magazine, sept.-oct./11, USA);”…el CCH se lució en sus interpretaciones”(Francisco Mesa, Bahia de Cádiz, 20/XII/11. España).
El Cuarteto de Cuerdas de La Habana, integrado a la Orquesta de Córdoba en España desde 1992, ha realizado giras y grabaciones para la radio y tv en Cuba, México, Argentina, Uruguay, Italia, España, Holanda, Suiza, R. D. de Corea, Inglaterra y los Estados Unidos. Han grabado CDs para el sello cubano EGREM, para el sello español SGAE/AUTOR  y para el sello norteamericano ZOHO MUSIC.

 
 
Programa nº 7 / Viernes, 5 de abril

Iberian&Klavier (piano dúo)
 
Laura Sierra, piano
Manuel Tévar, piano
 
Programa:
Ma mère…Nieves (12’) (2 pianos)  Marisa Manchado
Pari Intervalo (5’) (2 pianos)  Arvo Part
Miniaturas en espejo (7’) (piano a 4 manos)*  Javier Costa Ciscar
Lo!!! (Duerme), Canción de cuna   Beatriz Arizamendi
para dormir a Lis (8’) (2 pianos)* 
Celestial Mechanics (Danzas cósmicas   George Crumb
para piano amplificado a 4 manos) (23’)
1. Alpha Centauri
2. Beta Caygni
3. Gamma Draconis
4. Delta Orionis
 
(*) estreno absoluto
 
Notas
De Ma mère…Nieves nos dice su autora, Marisa Manchado: esta obra para dos pianos fue un encargo de Iberian & Klavier piano dúo (Laura Sierra y Manuel Tévar) justamente cuando Manuel y yo compartíamos docencia en el Conservatorio y mi madre acababa de fallecer un año antes. La obra está fechada en abril de 2015 y fue compuesta entre el pueblecito alcarreño de Fuentelviejo y Madrid en esa fecha.
Un cúmulo de circunstancias favorables hizo posible esta obra para dos pianos. Primero de todo el sentirme en deuda moral con mi madre y dedicarle una obra; en segundo lugar la buena sintonía con mi compañero de docencia y su calidad interpretativa, a lo cual hay que añadir el virtuosismo y la delicadeza interpretativa de su dúo junto a Laura Sierra. Por último, el hecho de tener fijada una fecha de estreno en el Carnegie Hall de Nueva York, que hacía muy apetecible el viaje con ellos y el resto de colegas.
Tengo un estupendo recuerdo de los ensayos de esta obra en nuestro Conservatorio, obra muy difícil y que ellos interpretan con ejecución exquisita.
En Miniaturas de espejo, de Javier Costa Ciscar, la resonancia del piano define, perfila y completa estas cuatro piezas breves para piano a 4 manos (Lento, Inquieto, Calmo y Fluido), resonancias como ecos transformados en un juego de imitaciones, espejos e intenciones que da nombre a su título. Escrita entre febrero y mayo de 2017, la obra está igualmente dedicada al dúo Iberian & Klavier.
Beatriz Arizamendi comenta sobre su obra LO!!! (Duerme). Canción de cuna para Lis:
El nacimiento de Lis fue el acontecimiento más importante en la vida de mi querido dúo I&K. Esta canción de cuna se la dediqué a Lis -como regalo de Reyes- el 6 de enero de 2018.
Utilicé una melodía popular vasca, una nana con la que mi madre y tantas madres teñíamos el sueño de nuestros peques; llena de ternura, lirismo y simplicidad; intentando provocar el sueño, ahuyentar monstruos y arropar esos frágiles cuerpecitos.
¡Duerme, pequeña Lis!
George Crumb completó Celestial Mechanics (Makrokosmos IV): Danzas cósmicas para piano amplificado a cuatro manos en 1979. La serie Makrokosmos comenzó en 1972 con un trabajo para piano amplificado solo con doce movimientos que fueron nombrados después de los signos del zodiaco. En 1973, el compositor creó una pieza complementaria para Makrokosmos I que era básicamente una variación del mismo diseño que el primero. Estas dos obras son un homenaje a los 24 Preludios de Debussy, que también se realizó en dos partes. Makrokosmos III apareció en 1974 y fue calificado para dos pianos amplificados y percusión, emergiendo como una de las obras de vanguardia mejor recibidas de la segunda mitad del siglo XX. Todas estas piezas tenían un tema común de diseño cósmico, aludiendo a una perspectiva grande y mística que parece única para el compositor.
Escrita en cuatro movimientos, con algo más de veintiún minutos de duración. Presenta algunas de sus texturas más densas, generando ritmos brillantes y crepitantes con una vida tremenda. De acuerdo con el espíritu de la serie, cada movimiento se titula con los nombres de las estrellas.
 
Iberian & Klavier,  Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Bradshaw & Buono de Nueva York 2016. Iberian & Klavier piano dúo es sin duda uno de los dúos pianísticos más atractivos y con mayor proyección internacional de la actualidad. Desde su creación en el año 2009 el dúo ha realizado actuaciones en salas y festivales de prestigio, en recitales de piano a 4 manos, dos pianos y con orquesta, en Europa, Estados Unidos y gran parte de la geografía española siempre con el éxito de crítica y público.
El 18 de junio de 2015, I&K fue presentado por la Fundación Gabarrón en el Carnegie Hall de Nueva York con motivo de la conmemoración del 60 aniversario de la inclusión de España en la ONU. La prensa internacional calificó el concierto como “extraordinario y una explosión de contemporaneidad pianística”.
Muy comprometido con la difusión de la música española, latinoamericana  y la creación actual, con más de 12 estrenos absolutos, su amplio y muy versátil repertorio abarca desde Bach hasta la música de nuestros días. Asimismo, son habituales sus colaboraciones con otros artistas y otras artes como la danza. 
El dúo es amante de los retos, como la presentación de la Integral de las 9 Sinfonías de Beethoven en tres días consecutivos (proyecto ya presentado en diversas ciudades españolas) o un Monográfico Schubert en tres conciertos.
Iberian & Klavier ha realizado grabaciones para TVE y RNE, Radio France y Radio Austria. En 2014 vio la luz su primer proyecto discográfico, “Café 1930”. En 2016 y ya en su propio sello discográfico ibe musik, I&K editó “Bon Voyage”, un disco homenaje a Granados con música de Bach, Mozart, Schubert y del propio compositor. En 2017 ha grabado su nuevo CD-DVD dedicado a la recuperación de la obra inédita para piano a cuatro manos del compositor granadino Francisco Alonso.
Durante la temporada 2016-17 I&K ha ofrecido recitales en Italia y en numerosas ciudades españolas, además de conciertos con orquesta en Alemania y España. Entre sus más recientes y próximos compromisos figuran recitales en Granada, Las Palmas, Madrid, Tres Cantos, Cádiz además de actuaciones con las Orquestas de la RTVE, Córdoba y Valencia.
Desde 2016 Iberian & Klavier es Embajador Cultural de la Fundación Gabarron NY, artista Iberia Classics y artista Hinves Pianos.
 
 
 
Programa nº 8 / Viernes, 6 de abril

Dúo Lisus (saxofones)
Lidia Muñoz, saxo
Jesús Núñez, saxo
 
Nati Villar, actriz
Eva Ruiz, luces y video
 
«SOMBRAS»
 
Programa:
Apart Together  Eliza Brown
            Interludio 1º (Manuel Busto)
O…scil..la.re  Eun-Ji Anna Le
            Interludio 2º (Manuel Busto)
A determinar *   Ana Teruel
            Interludio 3º (Manuel Busto)
Lidehir  David Seguí
            Interludio 4º (Manuel Busto)
A determinar *  Vicent Berenguer
            Interludio 5º (Manuel Busto)
Inmanencia II  Francisco Martín Quintero
            Interludio 6º (Manuel Busto)
Jekyll & Hyde. Version 4 *  Diana Pérez Custodio
 
 
* Estreno absoluto
 
Sombras
Sombras es un espectáculo escénico que combina el teatro, la música y el arte visual a través de diversos cuentos alegóricos musicales, sin solución de continuidad, sobre el doble, anverso o imagen especular que toda persona tiene inmanente. 
El arquetipo de la sombra representa, según la psicología analítica de Carl Jung, el “lado oscuro” de nuestra personalidad. Se trata de un submundo convulso de nuestra psique donde se contiene lo más primitivo, los egoísmos más afilados, los instintos más reprimidos y ese “yo desautorizado” que la mente consciente rechaza y que sumergimos en los abismos más profundos de nuestro ser.
¿Cómo saber quiénes somos? Entonces es cuando nos preguntamos qué es real y qué no; qué es lo original y que es la copia; quien tiene mayor derecho de vivir, de conservar su existencia independiente y que es lo que tendría que desaparecer para que la persona volviera a ser solo uno. 
“Hubo ya quien afirmó que todas las grandes verdades son absolutamente triviales y que tendremos que expresarlas de manera nueva y, si es posible, paradójica…” (El hombre duplicado, José Saramago)
“Día tras día y desde las dos dimensiones de mi inteligencia, la moral y la intelectual, me fui acercando así cada vez más a esa verdad por cuyo parcial descubrimiento he sido condenado a tan horrible naufragio: que el hombre no es verdaderamente uno, sino verdaderamente dos. Digo dos, porque el estado actual de mi conocimiento no me permite ir más allá. Otros seguirán, otros llegarán más lejos que yo en el recorrido de esas mismas líneas; y yo me aventuro a conjeturar que a la postre se sabrá que el hombre es una mera sociedad de múltiples habitantes, incongruentes e independientes entre sí.” (El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, J.L. Stevenson)
 
Natividad Villar Caño, nacida el 17 de Enero de 1969. Licenciada en Arte Dramático por la ESAD de Córdoba. Especialista Universitaria en Teatro Social e Intervención Socioeducativa por la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla. En formación como Terapeuta Teatral. 
Numerosos cursos de Formación con: Norman Taylor, Eric de Bont, Jesús Jara, José Luis Alonso de Santos, Helena Pimenta, Anton Valen, César Oliva, Itziar Pascual, Alfredo Mantovani, Peter Roberts, Fernando Arrabal, Roberto Quintana, Alfonso Zurro, y muchos más. 
Directora de la Escuela Municipal de Teatro de Torreperogil de 1991 a 2005. Actualmente, directora de la Escuela Municipal de Teatro “Ricardo Iniesta” de Úbeda, desde el 2004. Directora del Festival de Teatro e Inclusión Social, organizado por la Escuela Municipal de Teatro “Ricardo Iniesta” de Úbeda desde marzo de 2017. 
Primer Premio de Teatro en el Festival IGUALARTE de Arte Inclusivo por el montaje “El Principito”, trabajo hecho con personas con Diversidad Funcional, 2014. Premio Nacional al trabajo en Defensa de los derechos de las Mujeres con Diversidad Funcional, como Directora de la Escuela Municipal de Teatro “Ricardo Iniesta” de Úbeda, otorgado por la Asociación Rooselvet de Cuenca en Marzo de 2018. Colaboraciones habituales en la Revista Ñaque. Segundo Premio en el VI Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil con “Tras la tormenta”, 2003. Primer Premio en el III Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil con “Sombras”, 2000. Primer Premio Provincial de Teatro por mi Dirección de “No es verdad” de Francisco Nieva, 1992.
Actualmente mi trabajo está centrado en la docencia en la Escuela Municipal de Teatro “Ricardo Iniesta” de Úbeda y en el camino de la INCLUSIÓN SOCIAL de ciertos colectivos a través del Teatro. En dicha Escuela trabajamos habitualmente con el colectivo de Personas con Capacidades Diferentes y el colectivo de Personas Mayores, pero también lo hacemos con colectivos como INMIGRANTES a través de un Taller de Teatro Social.
 
Dúo Lisus (artistas Selmer, IM Ligatures y Vandoren)
Dúo de saxofones formado en el año 2011 por Lidia Muñoz (profesora del C.P.M. “Pablo Sorozabal” de Puertollano) y Jesús Núñez (profesor del C.S.M. “Manuel Castillo” de Sevilla). En su trayectoria han participado en V Festival Nacional de Música "Noches de San Pedro" (Sanlúcar la Mayor, Sevilla), XXVI Semana Cultural (Villamayor de Calatrava, Ciudad Real), masterclass y concierto en C.P.M. “Paco de Lucía” de Algeciras (Cádiz), ciclo AcTúa en la Merced (Ciudad Real), CiMuCC'14 (Sevilla), La noche en blanco del Museo Arqueológico de Almería, SaxOpen (Estrasburgo, Francia), EurSax’17 (Oporto, Portugal)... 
Debido al escaso repertorio con el que cuenta esta formación, uno de sus objetivos es la colaboración con compositores y reinterpretar obras ya escritas, que les ha llevado a trabajar y estrenar, en algunos casos, obras de José del Valle, David Seguí, Manuel Bernal, Robert Lemay, Jordi Orts, Ana Teruel, Vicent Berenguer, Eliza Brown, Antonio J. Flores, Diana Pérez Custodio… 
En el año 2015 han editado su primer Cd “Diálogos” que está cosechando grandes críticas tanto nacionales como internacionales en revistas como Sulponticello (España) o The WholeNote (Canadá).
"Si Adolphe Sax escuchase Diálogos, quedaría maravillado con las posibilidades de su invento, tras comprobar las prestaciones que obtienen del saxofón Jesús Núñez y Lidia Muñoz, componentes del Dúo Lisus” Eduard Terol (Compositor, clarinetista y fundador del Colectivo de Compositores de la ECCA).

Más infoirmación en la página de facebook del Festival


 

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