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El Norte como paisaje sonoro y reflexión de futuro
09/11/2026
Ars Musica convierte su edición Arctic Fever -del 14 de noviembre al 7 de diciembre- en un recorrido por la creación nórdica y la reflexión sobre la fragilidad climática y los nuevos territorios de la escucha. Un artículo de Ismael G. Cabral
El Ártico es, antes que nada, una experiencia de escala: grandes superficies blancas, distancias difíciles de medir, una luz que altera la percepción y un silencio que nunca está verdaderamente vacío. También es hoy una de las geografías donde el calentamiento global se hace más visible. Entre esas dos imágenes -la fascinación por un territorio remoto y la conciencia de su transformación acelerada- se mueve Arctic Fever, el lema con el que Ars Musica presenta su edición de 2026. Del 14 de noviembre al 7 de diciembre, el festival belga propone alrededor de medio centenar actividades en veinticinco espacios y diez ciudades, con una veintena de estrenos y una constelación de compositores, intérpretes y disciplinas que desborda el formato tradicional del concierto.
La propuesta no se limita a reunir partituras de procedencia septentrional ni a construir una postal sonora de Islandia, Escandinavia, Finlandia y los países bálticos. Su ambición es más compleja: explorar cómo la creación contemporánea puede traducir la materialidad de esos paisajes -hielo, roca, agua, bosques, fauna- y, al mismo tiempo, interrogar la vulnerabilidad de los ecosistemas que los habitan. El subtítulo We Are Hot introduce una ironía deliberada. La fiebre no es solo el entusiasmo contagioso que el festival reivindica para la música nueva; es también la temperatura de un planeta que se calienta. La belleza del Norte no queda separada de su amenaza.
Patrick Leterme, su director artístico, formula esa doble intención como una invitación a mantener viva la curiosidad en un mundo fascinante y hostil. De ahí que el programa evite el tono elegíaco y combine reflexión ecológica, experimentación tímbrica, celebración física y cruces entre lenguajes. La música convive con vídeo, electrónica, cine, danza, performance, aromas e incluso instrumentos construidos con materiales perecederos.
«La cuestión no es ilustrar musicalmente
el cambio climático, sino buscar otras
formas de escucharlo y de situarnos ante él»
Kristine Tjøgersen: escuchar lo que no escuchamos
Una de las figuras centrales de esta edición es la compositora y clarinetista noruega Kristine Tjøgersen, artista de honor junto al sueco Anders Hillborg. Su presencia permite reconocer uno de los impulsos más fértiles de la creación reciente: la atención a formas de vida y sistemas de comunicación que permanecen fuera del campo perceptivo humano. En su catálogo, la noche de las especies animales, las metamorfosis de las aves, los hábitats y las redes subterráneas que conectan los árboles no son meros asuntos extramusicales.
«Constituyen puntos de partida para imaginar organizaciones sonoras, temporalidades y relaciones distintas de las nuestras»
El festival abre precisamente con Night Lives, el 14 de noviembre en el Botanique de Bruselas. El Cikada Ensemble, formación noruega, interpreta una creación de Tjøgersen concebida como una experiencia inmersiva en la que sonido acústico, electrónica, vídeo, escenografía y olores acercan al público a la vida nocturna de murciélagos y otras criaturas. La propuesta parte de una paradoja sugerente: compartimos el espacio físico con animales cuyos sentidos y frecuencias de comunicación apenas podemos percibir. ¿Cómo representar musicalmente un mundo que existe junto al nuestro, pero que se nos escapa? La velada se prolonga con una sesión de DJ NiXiE, de modo que la escucha expandida no termina con el concierto.
La elección es significativa. En lugar de recurrir a la naturaleza como repertorio de sonidos pintorescos, Tjøgersen trabaja con la idea de que cada especie organiza su entorno de un modo específico. Su colaboración habitual con biólogos y su investigación académica sobre la expresión de la naturaleza en la composición clásica y contemporánea dan continuidad a una práctica que aspira, en sus propias palabras, a dar voz a lo vivo. El 17 de noviembre, la compositora participará además en Unfolding Nature, un encuentro en el Conservatorio Real de Bruselas que prolonga esa reflexión desde el terreno de la investigación y el pensamiento.
La presencia de Tjøgersen se extiende a otros momentos del programa. Oiseaux de paradis, con la soprano Juliet Fraser y la violinista Hannah Weirich, reúne partituras de la propia compositora, Helge Sten y una nueva obra de Bergrún Snæbjörnsdóttir. La imagen de unas aves que, según antiguas creencias, nunca tocaban tierra sirve para plantear una música suspendida, de contornos delicados. En Cristallisation, el 15 de noviembre en Bozar, el Cuarteto Diotima participa en un dispositivo más amplio: junto a obras de Anna Thorvaldsdottir, Kaija Saariaho y Tjøgersen, la creación de Frédéric Verrières incorpora testimonios de habitantes de territorios árticos y de especialistas en clima.
Anders Hillborg: energía, materia y libertad de estilos
Anders Hillborg, representa otra manera de abordar la amplitud de la música contemporánea. El compositor sueco ha construido un catálogo que abarca desde la escritura solista y camerística hasta las grandes arquitecturas orquestales y corales. En sus partituras, las masas instrumentales pueden adquirir una cualidad casi electrónica: superficies vibrantes, corrientes internas, destellos y cambios de densidad que parecen modificar la temperatura del sonido. Pero su lenguaje no se encierra en una idea solemne de modernidad. Hillborg ha defendido una relación abierta con el rock, el jazz y el hip-hop, géneros que forman parte de su horizonte musical.
Esa permeabilidad aparece en varios puntos del festival. El 22 de noviembre, la violinista Ava Bahari, dentro de la serie ECHO Rising Stars en Bozar, interpreta una obra de Hillborg inspirada en Bach. Y el 28 de noviembre, la Messe des Glaces de Jean-Luc Fafchamps incluye Mouyayoum, una de las piezas corales más difundidas del compositor sueco.
«El programa sitúa así su música en un contexto de resonancias nórdicas, espirituales y climáticas, sin reducirla a una etiqueta geográfica»
El cruce más explícito entre tradición y cultura urbana llegará el 30 de noviembre en Lieja -y tendrá una segunda cita el 2 de diciembre en Bruselas- con Bach/Hillborg/Campo: From Baroque to Hip-Hop. El Listening Orchestra propone una experiencia de proximidad en la que el público puede rodear a los músicos y moverse entre ellos. El programa enlaza el Tercer Concierto de Brandeburgo de Bach con Bach Materia, la recomposición de Hillborg, y el estreno del Beatbox Concerto de Régis Campo, con el virtuoso FootboxG y bailarines del colectivo Freestyle Lab. No se trata de yuxtaponer repertorios para demostrar que todo cabe en un mismo cartel, sino de explorar cómo la energía rítmica y la escucha colectiva pueden atravesar épocas y códigos.
El hielo no es una metáfora inocente
La dimensión climática alcanza una formulación especialmente directa en Messe des Glaces, de Jean-Luc Fafchamps, que se presenta el 27 de noviembre en Namur y el 28 en la iglesia de Saint-Augustin, en Forest. La obra, encargo y estreno mundial de Ars Musica, toma como inspiración relatos de expediciones polares y la fragilidad de los hielos. La plantilla -soprano, coro mixto y cuarteto de trombones- permite imaginar un paisaje de contrastes: la voz humana como hilo vulnerable frente a espacios inmensos, y los metales como resonancia de las fracturas y el desplazamiento de grandes bloques de hielo.
El programa sitúa la nueva partitura junto a música de Einojuhani Rautavaara, Jaakko Mäntyjärvi, Anna Thorvaldsdottir y el propio Hillborg. La imagen que acompaña la presentación de Fafchamps es elocuente: los paisajes polares están hechos de masas, luz, rugidos y silencios; el ser humano aparece allí como superviviente provisional. La frase que articula el proyecto -el hielo ya no es eterno- evita cualquier complacencia paisajística.
«La música no pretende sustituir al discurso científico, pero sí puede dotar de dimensión sensible a una transformación que, de otro modo, corre el riesgo de convertirse en una cifra abstracta»
De la nieve al perfume: una escucha expandida
El 25 de noviembre, Bozar acoge una de las citas más atractivas para quienes se interesan por la relación entre forma, timbre e imagen: Schnee, de Hans Abrahamsen, interpretada por Het Collectief, junto a Spectra, de Anna Thorvaldsdottir. La obra de Abrahamsen nace de su fascinación por los Catorce cánones de Bach y construye, a partir de una escritura de extraordinaria sutileza, un universo de resonancias invernales. El crujido de los pasos sobre la nieve, la irrupción de una tormenta y la quietud melancólica aparecen sugeridos mediante variaciones de textura y matiz, no a través de una imitación literal. La dimensión visual corre a cargo de Klaas Verpoest, que establece un diálogo con las superficies blancas y las variaciones casi infinitas del color en la pintura de Gerhard Richter. Antes del concierto, Michel Lambert ofrecerá una introducción musical a la partitura. La combinación invita a pensar en la nieve como fenómeno acústico y visual: una materia que amortigua el sonido, altera las distancias y transforma el paisaje en una superficie de percepción.
Simon Steen-Andersen: la memoria musical convertida en espectáculo
El 27 de noviembre, la sala Henry Le Bœuf de Bozar acogerá uno de los acontecimientos centrales de esta edición: el estreno belga de TRIO (2019), del compositor danés Simon Steen-Andersen. La dimensión del proyecto es ya excepcional sobre el papel: alrededor de 150 músicos sobre el escenario, con la participación conjunta de Brussels Philharmonic, Brussels Jazz Orchestra y Vlaams Radiokoor, bajo la dirección de Ilan Volkov, Lode Mertens y Bart Van Reyn, respectivamente. Orquesta sinfónica, big band y coro confluyen en un dispositivo multimedia que convierte la historia de la música en materia de montaje, confrontación y relectura.
Steen-Andersen construye la obra a partir de una selección de materiales procedentes de más de 400 horas de grabaciones de archivo de la Südwestrundfunk (SWR). Las imágenes, muchas de ellas de duración brevísima, establecen un diálogo vertiginoso con los músicos presentes, mientras las citas y fragmentos reconocibles de la historia musical irrumpen, se superponen y chocan entre sí. Entre los documentos recuperados figura incluso una grabación en cilindro de cera de 1888, uno de los primeros testimonios sonoros de una gran formación orquestal y coral. El resultado es una suerte de arqueología audiovisual en la que la memoria colectiva de la música occidental se somete a una operación de fragmentación, aceleración y extrañamiento. El concierto tendrá una segunda cita el 28 de noviembre en el Concertgebouw de Brujas
Ars Musica amplía todavía más esa idea sensorial que la articula con Échos d’essences, del Ensemble Fractales y Apolline Jesupret, el 18 de noviembre en Le Senghor. Las creaciones de Apolline Jesupret, Oren Boneh y Dai Fujikura se articulan en torno a la relación entre música y perfumes. El olfato, sentido habitualmente excluido de la experiencia concertística, se incorpora aquí como otra vía de asociación y memoria. En otro registro, los cortometrajes nórdicos seleccionados por Luc Dardenne, acompañados en directo por el Bowmore Quartet y una nueva música de David Achenberg, llevan el encuentro entre imagen y sonido a la sala de cine.
La programación no se limita, por tanto, a una sucesión de conciertos de cámara o de estrenos instrumentales. Hay propuestas corales, encuentros pedagógicos, actividades familiares, danza, electrónica y recorridos por espacios museísticos. El 29 de noviembre, el Instituto de Ciencias Naturales de Bruselas acoge un concierto itinerante en el que música y textos se despliegan por las salas del museo. El festival parece entender que la escucha contemporánea no tiene por qué permanecer inmóvil ni circunscrita a un auditorio: puede desplazarse, rodear al intérprete, incorporar otros sentidos o establecer una relación directa con el entorno.
© Ismael G. Cabral
