Los días 26, 27 y 28 de noviembre a las 20,00 horas en el  Teatro Galileo de Madrid, tendrá lugar el Festival de Mujeres Artistas Pléyades.

El Festival está organizado por el equipo técnico de Neopercusión, formado por Juanjo Guillem - dirección artística, Rafa Gálvez - dirección técnica, Iván Ferrer - nuevos medios y comisariado por Rosa Díaz Mayo.

 

 

Música, con M de mujer
 

 

La diversidad de corrientes y estilos caracteriza la música del siglo XX y XXI, tal como se refleja en estos tres programas que comprende el Festival de Mujeres Artistas Pléyades
Propuestas artísticas consagradas se dan cita con otras emergentes para mostrar la diversidad de la creación en las artes escénicas a través de la música acústica, electrónica y acusmática, danza, dramaturgia, instalación, videoarte y performance.
En Pléyades las diferentes manifestaciones artísticas establecen vínculos a modo de constelación, a través de la música como eje vertebral, para generar sinergias sugerentes, evocadoras e innovadoras.
El público se adentrará a lo largo de los tres conciertos en la riqueza poliestilística de la creación de hoy, y conocerá nuestro contexto cultural y social a través de artistas relevantes. Ellas trabajan en este proyecto global con el propósito de acercar la sociedad a la creación contemporánea con propuestas de calidad, en las que la mujer es la protagonista.

 


Música, videoarte y performance 26 de noviembre de 2019

El marco para este Festival se dibuja de la mano de  María Acha-Kutscher con una Instalación titulada Fluxus Feminis / Herstorymuseum, la cual representa la historia del arte y de la cultura con las mujeres como protagonistas. Un contexto y pretexto idóneo para la representación dramatúrgica del Manifiesto Mujeres en la Música y las Artes con el que abre este primer concierto. La música entra en escena con una obra de György Ligeti, quien pone voz de mujer a los textos de Sándor Weöres:  Síppal, dobbal, nádihegedüvel con elementos de la música folklórica transilvana acompañados de la percusión. La imaginaria del compositor se extiende a través de la riqueza percusiva del mismo modo que lo hace J. Cage en la siguiente obra, Suite for Toy Piano. En este caso se suma la ironía y el humor de este creador al intentar interpretar las demandas de una partitura en un instrumento de juguete sin posibilidades expresivas. A su vez pone de relieve el concepto de simplicidad que le es tan propio a Cage.
Luciano Berio compuso un centenar de Dúos para violín, entre los que constan estos cinco que se interpretan hoy. Representan una pequeña muestra de un caleidoscopio estilístico, cuyo denominador común es la evocación de sus títulos a las mujeres dedicatarias. Y del mismo compositor escuchamos la primera Sequenza,- para flauta-, que igualmente forma parte de un compendio de composiciones dedicados a diversos instrumentos solitas. En este caso la partitura representa un reto expresivo para la intérprete.
Uno de los autores más consagrados en el ámbito de la música coral española es Javier Busto, de quien oímos la Missa Augusta para coro de voces blancas y cuyas armonías no pasarán desapercibidas, por su belleza y sutileza. Seguidamente, la guitarra cobra protagonismo con ¡Paisanos semos! de Tania León, en esta obra el lenguaje contemporáneo extrae la riqueza sonora del instrumento y sus posibilidades rítmicas más diversas.
Con una mirada a la tradición clásica y bajo el juicio de las Musas, se interpreta Marsias para flauta y copas de cristal de Mario Lavista. Una partitura que revive la música griega, cuya esencia materializa el oboe, - por su afinidad al aulós-, y su poder expresivo, con la sutileza del sonido etéreo de las copas.
El concierto cierra con la puesta en escena del monólogo, Rosita al espejo, sobre la obra Doña Rosita la Soltera de García Lorca, que plasma la mirada de una mujer en diferentes etapas de su vida a través de la captación de la imagen, la expresividad de una actriz y la música que cohesiona el paradigma derivativo del videoarte.

 

 

Música, danza e imagen 27 de noviemvre de 2019
 

Con el  título de Pleiades de I. Xenakis, -Peaux, segundo movimiento-, abre el siguiente concierto en el que se pone de relieve el concepto de la piel a través de instrumentos de percusión con parche. Esta obra nos envuelve con sonidos curtidos para adentrarnos, por una parte, en la calidez del material, el mismo que envuelve al cuerpo, y por otra, en la esencia corpórea a través del ritmo.
Este precedente prepara al público para la captación rítmica de la siguiente pieza, Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt, en versión para contrabajo, marimba y bailarina. Una obra de estilo minimalista que hace referencia al infinito a través de planos que se repiten con pequeñas variaciones y a su vez, mantiene latente la sensación corporal a través de la bailarina.
Tras la fusión de música y danza escuchamos Own anthem de Carolina Cerezo para oboe y electrónica, como muestra de las tendencias contemporáneas de fusión y nuevos medios, una experiencia de espacialidad sonora que despierta todos los sentidos del oyente. A continuación, Duduk I de Gabriel Erkoreka nos transporta a las escalas y modos armenios, cultura de la que toma el nombre, -duduk es el oboe armenio. La obra busca el acercamiento a aquella cultura sonora y pone énfasis en el valor del silencio.
Canto a Hanna de Gabriela Ortiz está dedicada a la intérprete y en palabras de la autora
"es un canto esencial a esa unión, en donde lo lejano y lo nuevo se funden para acercarnos a nuestra historia viva, un canto de vida y de espiritualidad, de amor de tristeza y de alegría, un expresivo mensaje de convivencia y de humanidad, una música de la memoria y la sensibilidad que nos hace reflexionar y soñar en un mundo más justo y más humano"

Para cerrar el concierto contamos con una performance de arpa y vídeo titulado Dolor heredado sobre texto de una de las escritoras más representativas del Siglo de Oro español, María de Zayas y vídeo de Alice Botelho. Un final indeterminado y expectante que aúna el timbre cristalino del arpa y la voz humana.
 

Sonidero 1.5 Pléyades 28 de noviembre de 2019
 

Las Pléyades o las siete hermanas constituyen un cúmulo estelar representado en este último programa del Festival de Mujeres Artistas por siete obras de música acusmática.
Rocío Cano Valiño, se inspira en el cuento de “La casa de Asterión” de J. L. Borges para componer Astherion. La historia relata la vida del minotauro llamado Asterión que vive en un inmenso laberinto, un hogar y una prisión que representa lo finito e infinito por el que conduce al auditor. El final de la obra releta un enfrentamiento entre Teseo y el minotauro que acaba con el último suspiro de Asterión.
Beatriz Ferreyra con su obra Dans Un Point Infini retoma el concepto de infinito, pero en esta ocasión a partir de unos ejercicios técnicos interpretados por la violinista Verónica Kadlubkiewicz a quien está dedicada la obra. Además, rinde homenaje a la compositora Grażyna Bacewicz al citar un pasaje de una obra suya, igualmente interpretada por Kadlubkiewicz.
Con Haiku: Winter Annete Vande Gorne nos transporta a la cultura japonesa, concretamente a la poesía que da nombre a su obra, haiku. Se trata de una evocación sonora a un tipo de poesía que se usa para describir la naturaleza, en este caso teñida de invierno.
Por su parte, Charo Calvo nos presenta Hertziana, una fonografía de tristeza en la que hay una marcada frecuencia sonora del dolor que toma vida y lucha en un medio con el que interacciona a través del contacto con otros cuerpos y elementos del entorno.
Los vientos solares inspiran la obra de Elizabeth Anderson, Solar Winds... and Beyond, en memoria de la cultura maya y el culto al Sol. La autora expone que se trata de
"fenómenos electromagnéticos producidos por la Tierra, así como otros fenómenos astronómicos, y constituye un viaje aural celestial imaginario desde la perspectiva del oyente que es la Tierra".
La tristesse d'hier de Edith Alonso, presenta un tratamiento muy interesante de los sonidos para evocar a la tristeza, como un recuerdo del pasado, en consonancia con su planteamiento de creación sonora "con anclaje social y la fe en la humanidad".
El cierre del programa corre a cargo de Pablo Freiberg con su composición Reflejos In-Condicionados, en la que según el autor "se presentan conjuntos de sonidos percusivos, percibidos sintéticamente y que inducen a determinados procesos en los parciales de los sonidos largos subsiguientes. Tales procesos evocan en el oyente diferentes niveles de escucha analítica". En otras secciones de la obra los procedimientos compositivos se basan en la cita, o también en una "estrategia extramusical llamada Composición Neuropsicológica", además de juegos sincrónicos y polirrítmicos.

Programa comisariado por Rosa Díaz Mayo

Más información Neopercusión